CAS-CONCERT

Memorias de un cinéfilo (4)

2009-06-18T09:32:00.000-07:00

Sombras de la China, sombras de la China.
Vea correr la liebre por la cortina,
al ganso haciendo el ganso,
al héroe y al villano.

Sombras de la China, de J.M. Serrat

Mis precarios inicios como aficionado a la pantalla grande se ubican en Barlovento. Fue a mediados de los años 50, cuando entre las brumas del mito y las candilejas de parpadeante modernidad vi mis primeras películas. A estos primeros filmes les precedió la práctica de jugar con las luces de los carros que se proyectaban en la pared de mi casa ubicada en plena carretera nacional vía Higuerote. A modo de improvisar una especie de teatro de las sombras, mi primo Víctor y yo nos dedicábamos a configurar con las manos toda clase de imágenes que en nuestra temprana imaginación se nos antojaban vivas y acordes a los deseos de fantasear las historias que aún no habíamos visto en el cine.
Esa incipiente sed de cine fue aplacada por las primeras películas mexicanas que llegaron al caserío Las Morochas. Bastaron apenas 5 minutos de proyección de película para que olvidáramos esas sombras de la China que quedaron ancladas en esos sueños artesanales cercanos al mito de nuestra primera fantasía.
En un corralón ancho se fueron alineando las sillas plegables y taburetes que cada espectador iba llevando al lugar donde se proyectaría la primera película que vi en mi vida. El rostro de María Félix acercándose al de Jorge Negrete nos mostraba el romance arquetipal entre los herederos de dos familias rivales. Se trataba de El peñón de las ánimas (1942), película dirigida por Miguel Zacarías que en la provincia vimos con excesivo retraso.
A El peñón de las ánimas le siguieron cintas como: Allá en el rancho grande y Adiós, Mariquita linda, en las cuales brilló el carisma de Tito Guízar; Los tres Villalobos y otras que ya no recuerdo por más que trato de activar los resortes de la memoria. Gracias a la música mexicana de aquel entonces (rancheras, corridos y guapangos) aún puedo evocar algunos retazos
Esa afición (más obligación que libre elección) por el cine mexicano continuó creciendo y alimentándose en el tiempo con no pocos bodrios y muy contados aciertos. De los Estudios Churubusco Azteca S.A. recuerdo haber visto algunas películas de Santo El Enmascarado de Plata como Santo contra los cerebros del mal, Santo contra los hombres infernales y Santo contra los zombis, entre otras que forman parte de una saga casi interminable de héroes, villanos y situaciones llenas de misterio, temor y el eterno reto de enfrentar la muerte y el mal.
Ese primer cine que vi durante mi niñez y temprana adolescencia estuvo dominado por las producciones mexicanas made in Chapultepec. Fue un tiempo de aprendizaje que yo defino como calistenia intelectual que para bien o mal alimentó mi hambre de voyeur insatisfecho.
Sin atreverme a dar una lista pormenorizada de esas películas que agrupaban a valiosos talentos de la escena azteca, creo que ese cine sirvió de entrenamiento a los ojos y agudización del resto de los sentidos en una tarea preparatoria de la sensibilidad ante las fluctuantes sorpresas de que nos depara el arte. Ese cine, repito, a veces artificioso, lacrimógeno y no exento de una proverbial cursilería, sirvió para activar nuestra accidentada sociología latinoamericana. Parte del discurso justicialista e igualitarista de algunos caudillos populistas de ese continente tiene su principal referente en este cine, el cual define nuestra personalidad histórica encerrada en un prolongado laberinto de ficciones, mitos y soledad. Envueltos en la eterna prehistoria de una niñez que no nos abandona, seguimos jugando a las sombras de la China, haciendo gestos desesperados frente a la cortina de la historia. Así lo percibo cuando vuelvo a esas imágenes marchitas. Ante el desfile de escenas en blanco y negro me veo a mi mismo frente a una pared blanca donde con gran ilusión insisto en inventar figuras extrañas, inéditas y capaces de articular historias y procurar un poco de felicidad. Esta historia continuará. ¡Abur y hasta la próxima semana! casconcert.blogspot.com cartonsil@hotmail.com, casconcert@gmail.com

Memorias de un cinéfilo (3)

2009-06-10T06:43:00.000-07:00

Parte de esa cultura cinematográfica que nos hemos forjado a lo largo de estos años viene tatuada en los soundtracks, temas musicales o bandas originales de las películas por las cuales sentimos una marcada predilección. En esos sonidos inolvidables se conjuga una porción significativa de nuestras afinidades como expresión de esa cultura de masas que para bien o mal nos pertenece.
Los temas musicales de las películas establecen asombrosas asociaciones con fragmentos claves de nuestra vida, articulándose con las imágenes, que a pesar del tiempo transcurrido, permanecen ancladas en nuestro inconsciente colectivo. Si pudiéramos unir cada uno de esos instantes musicales, tendríamos narraciones maravillosas, que unidas a las imágenes, estructurarían el mejor guión sobre nuestro recorrido por esta vida.
En mi caso particular comienzan a seducirme los temas de películas desde la famosa Marcha del Coronel Boggie, según adaptación que hace Malcolm Arnold de una pieza compuesta originalmente por Kenneth Alford y que forma parte de la banda sonora del filme El puente sobre el río Kwai (1957), dirigida por David Lean (el mismo del Doctor Zhivago y Lawrence de Arabia).
Después con el correr del tiempo se agregarían otros temas como: el Tema de Lara de la película Doctor Zhivago; Zorba el griego; Gotas de lluvia caen sobre mi cabeza, composición de Burt Bacharach que sirvió de tema al film Butch Cassidy). Con mucha emoción recordamos la música de Los Magníficos 7, basada en los 7 samurai de Akira Kurosawa y que en nuestro medio se conociera como 7 Hombres y un destino); Un hombre y una mujer; El último tango en París (tema compuesto por el Gato Barbieri para el film de Bernardo Bertolucci), entre otros nombres que saltan desde el baúl de los recuerdos.
Muchos de estos temas tienen tanta calidad que han cobrado su independencia para perdurar más allá de las imágenes y anclarse en nuestra más recóndita memoria. En algunos casos es tanta la calidad que al pasar los años tarareamos estas melodías sin recordarnos ni un centímetro de la película. De esa galería surgen nombres de compositores con gran fuerza creativa y trascendencia.
En una lista muy especial colocaría a Nino Rotta, portentoso compositor italiano que acompañó con su música a directores prestigiosos como Fellini (en La dolce Vita y 8 y medio), Visconti (El Gatopardo), Zefirelli (Romeo y Julieta), Francis Ford Coppola (la saga de El Padrino basada en libro de Mario Puzzo), Ennio Morricone, autor de numerosos temas de cuales citamos: Por un puñado de dólares y El bueno, el malo y el feo, dirigidas por Sergio Leone, además de Cinema Paradiso, de Giuseppe Tornatore; John Towner Williams, autor de La guerra de las galaxias, ET, Indiana Jones, Harry Potter y el Prisionero de Askabán, entre otros múltiples sound tracks).
Quizás esa toma de conciencia ante la calidad de algunos temas musicales hechos para el cine se produce en mí a partir de los western espagueti, que en medio del tiroteo y la bien concebida violencia noté un lenguaje especial que más de una vez me hizo volver al cine para ver de nuevo la película y así escuchar los cautivadores sonidos.
Temo que al hacer estas afirmaciones no estoy siendo nada original, pero es a partir de estos temas hechos para acompañar las escenas cargadas de emoción cuando la banda musical comienza a tomar mayor relevancia en el gusto del público. Un sector nada despreciable de la crítica señala que el spaghetti western cambió la forma de hacer cine porque hasta ese momento, salvo muy contadas excepciones, las expectativas e interés del público estaban centrados en los protagonistas y el director, dejando para un tercer y cuarto lugar la música y el guión, dos factores vitales para conferir belleza estética y fuerza corporal respectivamente a cada filme.
Al convertirse en un elemento clave que refuerza el contenido de cada escena, la música en la actualidad ocupa un lugar estelar casi igual que los actores y el director. Quien escribe música para cine no debe ir sólo al centro de las imágenes sino al fondo mismo del corazón del espectador. Eso explica la razón por la cual nuestro estado de ánimo cambia después de ver determinada película. Una prueba de ello pude constatarla cuando vi Cinema Paradiso, de Giuseppe Tornatore en el teatro Caroni en la Plaza Venezuela. Al salir estaba llorando y con un nudo en la garganta. Mi acompañante, el amigo Manuel Cabesa con los ojos también humedecidos me invitó a tomarnos unas cervezas y así comentar esa inolvidable película. La música establece las pautas de tensión, zozobra, emoción, placidez y el clímax en una producción cinematográfica. Lo más asombroso es que al pasar el tiempo esa música sigue hurgando en los recuerdos para estructurar en nuestro interior otro guión que quizás nunca escribiremos pero que convive con nuestra respiración y nuestros más caros anhelos. Esta historia continuará. ¡Abur y hasta la próxima semana!

Memorias de un cinéfilo (2)

2009-05-30T06:34:00.000-07:00

Es imposible eludir o negar el papel que ha jugado la Cinemateca Nacional en la formación de la conciencia cinematografía y la educación visual de muchos de quienes hoy pasamos de los 40 años.
En esa vieja edificación de la GAN que desde hace 43 años le sirve de sede a la Cinemateca Nacional se gestó la más profunda y fructífera cátedra de historia del cine, al tal punto que mi profesor Carlos Camacho, encargado de la cátedra de Introducción al cine en la UCV, no se cansaba de repetir: “Ustedes aquí no van a aprender mucho. Mejor váyanse a la Cinemateca. Es mucho más efectivo”.
Muchos le tomaron la palabra. En mi caso ya me había adelantado a esta sabia sugerencia. Durante muchas noches, sorteando entre horarios inconvenientes y el escaso dinero, me trasladé a la Cinemateca para disfrutar y aprender de los clásicos. Cada noche tenía acceso a una cinematografía, un director o una propuesta distinta, cuya comprensión se facilitaba a través de las muy didácticas fichas técnicas que venían tipografiadas y procesadas vía esténcil en tamaño extra oficio.
Además de entrar en contacto con un mundo inédito, de fructífero aprendizaje y permanente fruición, mis visitas a la Cinemateca me permitieron conocer muchas personas con quienes ejercité mis primeras críticas cinematográficas. Ese fue el mismo tiempo cuando llegué a tapizar todo mi cuarto con afiches de las principales instituciones culturales del país. Recuerdo un afiche de Emiliano Zapata alusivo a una muestra de cine azteca. La figura del legendario revolucionario dominaba toda la habitación en la cual compartía espacio con otros pósteres.
Junto a mi afán por coleccionar afiches, se iniciaba mi interés por incrementar el número de libros y discos de aquel entonces. Si hay una canción que ilustre certeramente esa etapa de mi vida, esa se llama Tornero, pieza que interpretaba el grupo italiano I Santo California (aunque creo que la original era de La Quinta Faccia). Esta canción me recuerda el despecho que me causó una novia cumanesa. Esas horas de desamor las fui llenando con música y tertulias entre amigos y amigas en un apartamento de la prolongación de la calle El Lago de Los Magallanes de Catia. A la par de los nombres de los muchachos y muchachas de la cuadra (Enrique, Jose Luis, Blanquita, La Negra, Sonia) brotan los ecos de algunas melodías como: La guerra de los Dioses, de Billy Paul; Todos los barcos, todos los pájaros, de Gianfranco Pagliaro; La Bikina, de Gualberto Ibarreto; Sereno, por Drupi; Hoy daría yo la vida, por Martinha; Bella senz´Anima, con Ricardo Cocciante; entre otras que hoy nos convocan a revivir la nostalgia de un tiempo diáfano.
Al compás de estas melodías surgen como en fotogramas comprimidos, escenas de películas que vi en una Cinemateca diseñada desde la diversidad de una democracia plural donde lo ideológico no era freno para el disfrute de lo estético. En todo caso, las premisas políticas sólo operaban como complemento de un todo que no necesariamente tenía porque determinar la complejidad de la insólita belleza.
Era tanta mi entrega a la Cinemateca que la mujer de un compadre llegó a decirme, no sin cierta sorna: “!Mijo, desde que te conozco no quieres salir de allí. Un día de estos va a salir preñado de la Cinemateca!”. Y no se equivocó Omaira. Salí preñado de ideas luminosas y con un cosmos lleno de sueños y fantasías, muy superior a la sórdida realidad que aún me circunda.
Como museos o bancos de cultura, las cinematecas deben no sólo resguardar el patrimonio cinematográfico de todo el mundo, sino sentar las bases de una sólida cultura visual. Esa pauta fijada por la Cinemateca dio pie al florecimiento de los cineclubes y las salas de arte y ensayo, más propias de los circuitos comerciales. Pero esa otra historia que quiero traer a colación en una nueva entrega. Esta historia continuará. ¡Abur y hasta la próxima semana! casconcert.blogspot.com cartonsil@hotmail.com, casconcert@gmail.com

Memorias de un cinéfilo (1)

2009-05-21T16:58:00.000-07:00

Sería necesario vivir dos vidas para disfrutar de las noblezas del cine arte que se hizo durante el siglo XX. En una lista significativa se anotan autores fundamentales, sin cuyos aportes sería difícil, por no decir imposible, entender la esencia de la modernidad A la par de la música y la literatura, el cine fue alimentando la estética y el espíritu mismo de la modernidad. Buñuel, Bergman, Passolini, Bertolucci, Godard, Truffaut, Kurosawa, Fellini, Zefirelli, Allen, Saura, entre otros portentos del séptimo arte fueron los diseñadores de una secreta enciclopedia que nos enseñó a mirar el mundo y a nosotros mismos de otra manera.
Fue su carácter de transformadora novedad lo que me animó a ser adicto al cine. Aunque mi afición al cine arte nace formalmente en 1974 cuando comienzo a visitar la Cinemateca Nacional, fue en 1969 con el estreno en Venezuela de la película Fellini Satyricon cuando brotó en mí la curiosidad de ver algo distinto al cine comercial y tradicional.
El hecho se produjo en el viejo cine California cuando un domingo, sin avisar ni invitar a nadie encaminé mis pasos hacia esa sala que compartía espacio con la fuente de soda del lugar. Fue en ese rincón donde me dejé atrapar por las imágenes de una propuesta cuyo contenido entendía muy poco. Esa película que años después vi con mayor atención provocó en mí un cambio absoluto en mi manera de percibir el cine, el arte y la vida.
Con el tiempo, a la ya existente Cinemateca Nacional se fueron agregando otros espacios para el cine arte como Sala de conciertos de la UCV, Cine Prensa del CNP, la Previsora, el Cine Trasnocho y unos cuantos cines comerciales que apostaban a esta modalidad. En este último renglón se inscriben Radio City y el Centro Comercial Cacaito; el Ateneo de Maracay y el Cine Club de la Facultad de Agronomía de la UCV en Maracay, entre otros que constituyeron los espacios de esa primera educación intelectual y afectiva que alimentó mi espíritu y ahuyentó parcialmente el travieso fantasma de la soledad.
Fue a raíz de la muerte de mi madre y en atención a las sugerencias de la amiga y compañera de estudios Cenayda Rivero cuando tomé la decisión de visitar con más frecuencia esas salas de cine. “Si quieres drenar esa tristeza camina-insistía mi amiga-, camina hasta que el cuerpo quiera detenerse” Así lo hice, y entre trecho y trecho entraba a una sala de cine.
El impacto o sacudón que sintió mi sensibilidad con Un perro andaluz (de Buñuel) abrió un camino del cual no me he separado, a pesar del empeño de la industria del entretenimiento por sacrificar los derechos del espectador exigente por las ganancias del mercado o las urgencias ideológicas de algunos gobiernos unidimensionales.
En mi transitar por la pantalla grande en sonido estereofónico y en banda de 35 milímetros tuve la dicha y el privilegio de ver grandes maravillas como Cuernos de Cabra, película búlgara dirigida por Metodi Andonov; El Silencio de Igmar Bergman, El discreto encanto de la burguesía y Belle de jour, de Luis Buñuel, La Conversación de Francis Ford Coppolla, Ladrones de bicicletas y El jardín de los Finzi Contini, de Vittorio de Sica (Con la inolvidable actuación de Dominique Sanda, cuya excitante boca aún nos seduce desde la distancia que marca el tiempo), Novecento, de Bertolucci; Teorema, y Los Cuentos de Canterbury, de Pier Paolo Pasolini; Fahrenheit 451 y Jules et Jim, de Francoise Truffaut; Araya, de Margot Benacerraff; Oriana, de Fina Torres; 8 y medio, Amarcord Federico Satyricon, de Federico Fellini; La naranja mecánica, de Stanley Kubrick; Cuentos de la luna pálida de agosto, del japonés Kenji Mizoguchi; Cinema Paradiso, de Giuseppe Tornatore, entre una larga lista en las cuales no anoto algunos clásicos históricos (Doctor Zhivago), y musicales como Woodstock.
Ese primer cine arte, hecho en gran parte en blanco y negro, fue la base de mi estética visual. El cine y lo más revelador de las vanguardias artísticas del siglo XX fermentaron en mí una semiología de la imagen que terminó por conformar una estética de la vida, de la política y de lo humano. Ahora cuando es muy fácil y sencillo acceder al gran cine a través de los blogs especializados, no dejo de sonreírme y valorar todo ese tiempo depositado en esas salas de cine que fueron los verdaderos centros de mi formación.
Fue a propósito de un blog dedicado a los clásicos del cine cuando comencé rememorar esos instantes vividos en la oscuridad esclarecedora. Valga ese oximoron que fue y sigue siendo para mí el cine: la oscuridad encendida o la tiniebla resplandeciente de belleza, revelaciones inauditas y muchos recuerdos que nos permiten valorar aún más esa vida fraguada y realizada en libertad. Esta historia continuará. ¡Abur y hasta la próxima entrega! casconcert.blogspot.com cartonsil@hotmail.com, casconcert@gmail.com

Con tu blanca escualidez

2009-05-07T06:17:00.000-07:00

Resulta difícil, por no decir imposible, no asociar la imagen de Blanquita a la canción de Procol Harum A Whiter shade of pale. El tema cuya traducción literal es Una blanca sombra de palidez fue conocido en nuestro país por el título Con tu blanca palidez. Lo cierto es que al escuchar esa melodía me traslado automáticamente a los alrededores de la plaza Altamira (1972), espacio geográfico donde se movía el personaje que hoy traigo a colación.
Cuando conocí a Blanquita ya habían pasado algunos de los acontecimientos que marcaron a mi generación, la misma del Mayo francés y la renovación académica y todos quienes de alguna manera estuvimos gravitando en la onda de Woodstock y el viaje a la luna. Blanquita (cuyo apellido y nombre de pila no recuerdo) era una muchacha etérea, nacida en la abundancia propia de una familia adinerada del este de Caracas. Era para más señas, una estudiante de pensamiento avanzado, que sin caer en los extremismos del ya decadente marxismo leninismo, conjugaba justicia social y libertad.
Blanquita era una verdadera caja de Pandora. Recuerdo la primera vez cuando me pidió que la llevara a conocer un barrio de Caracas. Su petición me causó una especie de hilaridad y curiosidad. Si ella deseaba llegar al fondo de la pobreza de nuestras principales barriadas, yo en cambio quería indagar en su particular sociología. Dueña de una impactante belleza informal, poseía el justo sex appeal (para usar un término de la época) necesario para conectarse con sus semejantes. Aunque de familia acaudalada, jamás mostró signos de ostentación. En sus argumentos políticos indicaba que la pobreza no era una virtud sino un lastre porque al final la familiarización con las carencias materiales terminaba fomentando la más terrible de todas las miserias: la pobreza espiritual, la cual guarda una peligrosa afinidad con el conformismo y el resentimiento.
Lectora de Marcusse, Henri Lefevre y Marshall Mac Luhan, por citar tres autores fundamentales de la contracultura de los 60, Blanquita era partidaria de un socialismo con rostro humano. ¿Qué sentido tiene luchar por un socialismo para ser más pobres y menos libres?, se quejaba con mucha razón nuestro personaje. Sin justificar el socialismo utópico, argumentaba que con sus políticas reivindicativas y sociales, Eugenio Mendoza era más revolucionario que muchos marxistas, leninistas, guevaristas, maoistas y cuántos marxianos hay en este humano mundo.
Como toda estudiante universitaria de aquel entonces, Blanquita había bebido de las fuentes de la renovación académica y del deslinde ideológico que se produjo en 1968 en la izquierda venezolana, fundamentalmente en el Partido Comunista de Venezuela a raíz de la invasión a Checoslovaquia, que a punta de tanques, protagonizó el imperialismo ruso para impedir precisamente la instalación de un socialismo con rostro humano.
A la par de sus avanzadas posiciones políticas, Blanquita era amante del rock sinfónico, del cual Procol Harum era su favorito y más fiel exponente. Estaba seducida precisamente por la belleza envolvente de la canción Con tu blanca palidez, de la cual yo parodiando su imagen en el tiempo y extrapolando su recuerdo a este presente impreciso y contradictorio, la llamaría “con tu blanca escualidez”. Más allá del decálogo del chavismo, lo escuálido es lo macilento, lo desmejorado, lo deteriorado o apocado. Pero también si se quiere ahondar un poco más, lo minoritario e irrisorio. Tal calificativo también cabe para cualquier organización o club que esté en desventaja numérica con respecto a los factores de poder político o económico.
Ahora me pregunto: ¿quienes viven en el Este opulento son escuálidos por ser minoría?, o ¿se es escuálido porque las ideas de algunas minorías no necesariamente comulgan con las mayorías anestesiadas y manipuladas de todas las épocas? Blanquita era una escuálida ante el apabullante poder de los adecos y seguramente lo sería hoy día ante el aplastante número de socialistas que en la actualidad se cuadran con el poder establecido. Se es escuálido por ser élite? No es lo mismo ser élite (que involucra necesariamente grupos de poder económico o político) que pertenecer a la aristocracia del pensamiento, de las artes o la cultura. Las élites políticas y económicas están conformadas por lo general por personas extremadamente incultas e ignorantes. Blanquita pertenecía a esa aristocracia del conocimiento que yo amaba y con la cual me siento plenamente identificado. Blanquita etérea, ingrávida, sutil y nadando a contracorriente sería en este época una desadaptada y posiblemente sería etiquetada como “disociada”.
El espacio se agota y olvidé decirles que en esa heterodoxia que me tocó vivir tenía cabida el rock y el socialismo. Procol Harum supo dosificar en su discurso la novedad del blues, la espiritualidad del gospel y la genial herencia de Johann Sebastian Bach. Cuando sientas sonar esa tocata que luego se transforma en blues, no olvides que en sus vibraciones una generación supo reconocerse más allá de las asimetrías y las contradicciones. Abur y hasta la próxima! casconcert.blogspot.com cartonsil@hotmail.com, casconcert@gmail.com

Un recuerdo de Don Atilio Morán

2009-04-24T13:41:00.000-07:00

“Cuando pongo la mejilla en esa melodía,
recupero un instante la ciudad perdida.”

Juan Sánchez Peláez

Como un sueño que se resuelve en la plenitud del paisaje, me viene el recuerdo de Don Atilio Morán fundido a un pedazo de ese Maracaibo representado en sus valores cultura, música y gastronomía, y por supuesto, en su gente. En esa estirpe de zulianos fundamentales ligada indisolublemente al paisaje humano y afectivo, ubico al señor Atilio, quien se despidiera de nosotros hace dos años en su Maracaibo natal.
Con una memoria y lucidez proverbiales, Atilio Morán supo darse sin reserva a sus semejantes. Con un exacto poder de la comunicación, tenía amigos y amigas de todas las edades y diversas latitudes. Había nacido Atilio Morán exactamente en 1915. Aunque marabino de pura cepa se crió en Los Puertos de Altagracia. Sus padres Nicolás Morán y Carmen Acurero supieron acuñar en el joven Atilio una enseñanza basada en el trabajo y los valores de la honradez y la responsabilidad.
Nos cuenta su hija Gabriela Morán que el padre de Atilio murió cuando éste tenía 5 años. Era marinero, más exactamente, capitán del barco El Progreso surcador de lagos y mares. Esta nave viajó a Curazao y Aruba.
Don Atilio formaba parte de una familia de 16 hermanos. Al quedar huérfano lo pusieron a trabajar en una bodega propiedad de Felipe Amado. A los 15 años fue llevado a Caracas por su hermano, el General Manuel Morán, quien llegó a ser Ministro de Guerra y Marina durante el gobierno de Isaías Medina Angarita. Durante su permanencia en la capital inició estudios de la Guardia Nacional en Villa Zoila, la cual dejó para tomar la carrera de dactiloscopista.
Este paso importante le permitió trabajar en los servicios de Identificación y Extranjería (hoy Onidex) hasta que llega Pérez Jiménez al poder. En 1952 ingresa a los laboratorios Park Davis, firma a la cual representó hasta 1971. Junto a su fiel y amantísima esposa Graciela Josefina Leal Cubillán procreó cinco hijos: Graciela Josefina, Gisela Josefina, Bernardo José, Gabriela Josefina y Atilio José. Su longeva existencia le permitió conocer y disfrutar a sus 11 nietos y 8 bisnietos.
Estos datos tan necesarios para una semblanza nos permiten advertir la dimensión de un hombre sencillo y entregado a su familia, a los amigos y todo aquel que necesitara su mano amiga y fraterna. Con un profundo sentido cristiano ayudó a muchos a culminar sus estudios, saldar una deuda, mitigar una necesidad y sobre todo consolidar una amistad, como muchas que se mantuvieron a lo largo del tiempo.
Tengo el inmenso honor de contarme en esa numerosa legión de amigos y amigas que el señor Atilio supo cultivar durante su larga existencia. Más allá de la vinculación familiar, mi amistad viene dada por esos conductos de los afectos y ciertas afinidades por el tango, el bolero y la historia de Venezuela, de la cual era un agudo conocedor. Una noche en Choroní tuve la irrepetible oportunidad de escucharlo en una clase magistral que de manera espontánea le dio a un grupo de adolescentes que le formularon una pregunta sobre Medina Angarita.
Choroní fue también el escenario propicio para escucharlo entonar unos tangos que aún recordamos con una mezcla de placer y nostalgia
En otro escenario costeño, esta vez en Ocumare de la Costa compartimos el gusto por el bolero, específicamente en las voces de Miltinho y Felipe Pirela. En un viejo reproductor analógico nos dimos a evocar esas canciones que forman parte del universo espiritual de los latinoamericanos.
Revisar ese cancionero me llevó a los pregones zulianos de Rafael Rincón González que dibujan la esencia de la zulianidad y nos traen aunque sea por un instante la figura lúcida, memoriosa y vital de Don Atilio.
“Va cantando el pregonero vendiendo su mercancía/ Son las cinco y el lechero nos viene anunciando el día;/ Alevántese, señora que se hace de mediodía/ La leche viene en los potes con espuma de alegría/ La leche viene en los potes con espuma de alegría”. Abur y hasta la próxima! casconcert.blogspot.com cartonsil@hotmail.com, casconcert@gmail.com

Sonata del Café Picadilly

2009-04-18T08:33:00.000-07:00

“La amistad es más difícil y más rara que el
amor. Por eso hay que salvarla como sea”
Anónimo

Entre los lugares predilectos que nos ofrece la urbe están los cafetines, especie de oasis donde el tiempo se detiene como espacio amable para la reflexión, la divagancia o el simple placer de compartir un aromático café con alguien cercano a nuestras preocupaciones e intereses estéticos.
Durante los años que viví en Caracas dos cafetines canalizaron mi atención y parte de mi tiempo de ocio: El café Viena, ubicado en el Pasaje Zingg, y el Picadilly, situado entre las esquinas de Veroes e Ibarras de la avenida Urdaneta. Al primero ya me referí en una crónica bastante explicativa. El segundo está ligado a unos recuerdos que corrían el riesgo de ser clasificados como archivos muertos.
La aplanadora del olvido estaba a punto de triturar un tramo significativo de mis recuerdos juveniles cuando gracias a un tema musical (El adagio de Albinoni) recuperé un tiempo vivo donde se dan la mano la amistad, la arquitectura de la ciudad y por supuesto la música.
Fue a principio de los 70 cuando conocí a Miriam Martínez, una trigueña que trabajaba como dependienta de la tienda Don Disco, sucursal de la avenida Urdaneta. Miriam tenía muy arraigado el don de la persuasión en cuanto a materia musical. Desde el primer momento que la vi supe que nuestra relación traspasaría la lógica casual de cliente-vendedor. Con mucha entrega y mística a su oficio me recomendaba discos de diferentes tendencias. Sus sugerencias casi siempre apuntaban hacia los clásicos.
Un señor de apellido Quesada fungía de dueño o encargado del negocio. Era un caballero discreto, amable y atento a su oficio. Por las estanterías de los vinilos de aquel entonces desfilaron exigentes melómanos de la talla de José Ignacio Cabrujas, el actor Jorge Palacios y el político Eduardo Fernández, quienes sin menospreciar sus oficios y profesiones habituales, eran clientes apasionados y actualizados en materia discográfica.
En mi caso de estudiante de la UCV con una mesada bastante irrisoria era muy poco lo que podía llevar de esa discotienda. En esos trances de economía reducida, Miriam era la asesora más eficaz que tuve en ese tiempo. Un disco de Walter Carlos versionando electrónicamente piezas de Johann Sebastian Bach fue el encargado de sellar el vínculo de una sólida amistad. Creo que fue en diciembre de 1972 cuando recibí de regalo el disco Switched on Bach, que representó todo un acontecimiento entre quienes nos iniciábamos en los caminos de la música electrónica.
Pero más que hablar del disco Switched on Bach y las excelencias de la tienda Don Disco, cabe señalar que fue precisamente a partir de mi relación con Miriam cuando comencé a visitar el cafetín Picadilly donde en incontables ocasiones nos dimos a la tertulia como preámbulo y alimento de una inolvidable amistad.
Para ese entonces, Picadilly era en nuestro imaginario un café agradable y muy propicio en el discurrir de aquellos minutos de su tiempo de descanso y el tiempo exacto que antecedía mi entrada a la Universidad. En un país donde lo hiperbólico sustituye la dimensión de lo real y el fingimiento es nuestra auténtica máscara de identidad, estas tertulias tenían el peso de querer explicarnos como país en el sentido cabrujano, de darle un sentido de trascendencia a partir de lo que leíamos, escuchábamos y se asomaba como nuestro orgullo.
Miriam era partidaria de jugar a esos juegos de espejos y realidades paralelas que señalaban las posibilidades de ser otros a partir de la permanencia vespertina en un cafetín con un nombre que no tenía nada que ver con lo que marcaba la cotidianidad nacional.
Nuestras tardes bañadas por una luz especial y condimentada con disertaciones sobre arte, música y cine daban cabida a muchas pasiones que tomaban el nombre de Bergman, Herbert von Karajan y su autocrática gestión al frente de la Orquesta Filarmónica de Berlín. Un tema casi obligatorio era Bach, esa primera pasión juvenil que nos llevó a amar la belleza y la armonía contenidas en el arte de la fuga y la ciencia del contrapunto. Esas tardes donde nunca faltó Vivaldi, Albinoni, Scarlatti y otros maestros del barroco, tienen el aire de una sonata que nunca llegaré a escribir pero que está latente en esos espacios donde belleza y verdad dan cauce y sentido a la amistad entre un hombre y una mujer. Abur y hasta la próxima! casconcert.blogspot.com cartonsil@hotmail.com, casconcert@gmail.com

Leyenda foto 1
Este disco editado en 1969 bajo la impronta de Walter Carlos fue el inicio de una bella amistad y el motivo de algunas tertulias en el Cafetín Picadilly.

YouTube - poppy family "which way you goin' billy?"

2009-04-02T07:25:00.000-07:00

YouTube - poppy family "which way you goin' billy?"

YouTube - Roberta Flack - The First Time Ever I Saw Your Face

2009-04-01T05:32:00.000-07:00

YouTube - Roberta Flack - The First Time Ever I Saw Your Face

Noche de chatarritas en inglés

2009-04-01T05:13:00.000-07:00

Siempre es bueno cualquier pretexto para reunirse con los amigos, escuchar música y tomarse unos tragos. Precisamente esa fue la fórmula que apliqué el pasado fin de semana cuando en compañía de mi esposa Jacqueline Durán y mis amigas las hermanas Díaz en Valencia, nos dimos a disfrutar un inolvidable velada que se prolongó casi hasta las 5 de la mañana.
Esta reunión familiar nos permitió además recordar viejas anécdotas y hechos que se entrecruzan en las rutas de por lo menos tres generaciones. Enith, Trinidad Almaluz, Jacqueline iban intercambiando sus experiencias. Allí salieron a relucir los primeros novios, el primer baile apretadito y el despertar vivo de la sexualidad que se drenaba a través del primer baile y los besos furtivos al filo de una luz pálida y envolvente.
La activación de estos recuerdos estuvo impulsada por un CD contentivo en éxitos de los años 50- 60 -70 que Enith, Almaluz y Trinidad Díaz le grabaran el pasado año a Luisa, su hermana mayor, a propósito del día de las Madres. Después de varios olvidos, encuentros y desencuentros pudimos pulsar nuestros recuerdos comunes y particulares al ritmo de cada canción. El atractivo de la noche consistía en esta compilación, que a diferencia de muchas que se consiguen en el mercado informal y formal, estaba hecha bajo el impulso de las propias vivencias experimentadas por estas insustituibles protagonistas.
Confieso que esa noche llegué a El Poblado en San Diego con el propósito peregrino de refrescar algunos episodios de mi juventud turbulenta. Al recordar que este año se cumplen 40 años de dos eventos transcendentales como son El viaje del hombre a la luna y el Festival de Woodstock, tratamos de ubicar nuestras añoranzas en esa música que a despecho de algunos puristas y chauvinistas venía empaquetada y cantada en inglés. ¿Qué vamos hacer si nos gusta el whisky y las chatarritas en inglés? Que si son tontas y algunas de sus letras no le llegan ni por los tobillos a nuestros boleros, eso no importa, porque las melodías de esas canciones en muchos casos despiertan emociones para las cuales no hace falta traducción.
A medida que iba cayendo la noche unánime y borgiana hurgando entre trofeos y ruinas circulares de un pasado glorioso, nos fuimos sumergiendo en esas canciones como quien repasa con supremo deleite los episodios de una historia conocida.
En ese desfile de éxitos escuchamos con infinito placer piezas como: Sellado con un beso (Sealed with a kiss), de Bobby Vinton; Carol, de Neil Sedaka (compuesta a Carole King cuando apenas contaba 15 años, (acota Enith); It's too Late), de la mismísima ex novia de Sedaka, la muy amada y recordada Carola Rey; Mrs Robinson, de Simon y Garfunkel de la película El Graduado, la cual nos remite obligatoriamente a los Sonidos del silencio, hermosa canción que se mantuvo por más de un año en los primeros lugares; Sylvia´s mother said (La mamá de Sylvia dijo), del Dr. Hook and the Medicine Show; Te llevo bajo mi piel (I've Got You Under My Skin), del gran compositor estadounidense Cole Porter), interpretada por The Four Seasons con Frankie Vali; La primera vez que vi tu rostro, de Roberta Flack; Tren de medianoche a Georgia, de Gladys Knight and the Pipes (Midnight train to Georgia), la cual suscita muchas reminiscencias en la generación travolta, cuyos integrantes hoy frisan los 40 y dele; Te amo más de lo que eres capaz de imaginarte (I love you more than you’ll ever know), de Al Kooper con Sangre, Sudor y Lágrimas ; canción que me trae muy tristes recuerdos; Cuando un hombre ama a una mujer (When a man Loves a Woman), de Percy Sledge; (En su versión original, enfatizó Almaluz en una intervención certera), Young girl (Muchacha joven, con Gary Puckett and The Union Gap; Monday Monday, de The Mamas and The Papas), grupo del cual recordamos el carisma y la voz de Mamá Cass Eliot, quien murió prematuramente dejando a este cuarteto pop sin su portentosa voz); y otras hermosas canciones que dieron sentido a esa noche memorable.
Muchos recuerdos y anécdotas fueron asomados al filo de la madrugada, como aquella cuando Enith, después de varios intentos fallidos, logró bailar acompasadamente, por primera vez, con un muchacho. Se trataba del tema ¿Por qué camino vas, Billy (Which way you´re going, Billy?), con The Poppy Family. Su cuerpo temblando de la emoción aún recuerda el hechizo de aquella noche cuando sonidos y colores conformaban un todo para conjugar una misma emoción, una misma ilusión.
Esa noche en El Poblado, la música siguió su curso para recordarnos que en un tiempo no tan lejano nuestro placer más preciado era reunirnos con los amigos y amigas para escuchar y vivir la música. Es una manera de disfrutar la vida que a pesar de tantas modalidades recreativas existentes jamás pasará de moda. Podrá cambiar el formato, (ahora es pen drive, mp3 o iPod, pero la esencia es la misma: dejarse llevar por la magia envolvente de la música. ¡Abur y hasta la próxima! casconcert.blogspot.com cartonsil@hotmail.com, casconcert@gmail.com

YouTube - Jose Guardiola - Estrella errante

2009-03-27T19:57:00.000-07:00

YouTube - Jose Guardiola - Estrella errante

¿Cuál es tu canción favorita?

2009-03-27T19:19:00.000-07:00

No es una pregunta sencilla, particularmente cuando partimos de las distintas etapas que nos toca vivir a lo largo de nuestra existencia. No es una pregunta caprichosa sino una forma de interrogarnos desde el fondo de nuestra intimidad compartida. La interrogante también sirve para dar con los rasgos más característicos de nuestra personalidad.
Lo más prudente en estos casos es dejarle esa tarea un tanto embarazosa a nuestros amigos, familiares, seres más cercanos, aquellos con quienes hemos compartido conversaciones, tertulias, despechos, anhelos y proyectos.
Durante la niñez nos despertaron los ecos de muchas canciones populares, pero luego al crecer cambiaron nuestros gustos y expectativas. Quizás fue en la universidad cuando tomamos mayor conciencia de lo que significaba cada canción. En mi caso muchas de las melodías que me cruzan por la cabeza van desde temas de películas hasta baladas y obras clásicas. Una lista incluiría obligatoriamente: La sombra de tu sonrisa, Los Paraguas de Cherburgo (de Michel Legrand) y Verde campiña, una canción hermosa que en mis años mozos conocí en la voz de José Guardiola y luego volví a escucharla en la voz de Cesaria Evora bajo el nombre de Jardín Florecido.
En mi memoria tengo registrado un cancionero desde el cual voy reconociendo y renovando los afectos de mis amigos y amigas, a quienes evoco con sólo tararear los primeros compases. En ese cancionero ubico a personas de diferentes etapas. A José Ángel Ortega, querido amigo de Guarenas lo recuerdo con el tango Cafetín de Buenos Aires. Los primeros acordes de Penny Lane me remiten automáticamente a mi sobrina Arysabel Yaya. No puedo escuchar Funeral para un amigo, de Elton John sin pensar en Bernardo Yaya, otro sobrino, quien se entrega sin medida al embrujo de cada canción de su preferencia. Al amigo José Aloise Abreu lo asocio (no se por qué razón) con el tango La última curda, de Aníbal Troilo y Cátulo Castillo en música y letra respectivamente.
En el caso de mi esposa Jacqueline Durán es un hecho manifiesto y superevidente su pasión por la pieza Hotel California del grupo The Eagles. Ella ha mostrado preferencia por muchas piezas, pero esa fue la canción que la marcó cuando apenas era una quinceañera.
Un capítulo especial en este cancionero lo ocupa el repertorio del cantautor Joan Manuel Serrat, cuyas obras han producido una especie de conexión mágica y automática con algunos de mis más entrañables amigos. Bastaría nombrar varias de sus canciones más emblemáticas para comenzar a pensar en muchos amigos y amigas. En un listado especial figuran: Como un gorrión, canción que me trae a la memoria a dos grandes amigos: los periodistas Cándido Pérez Araujo y Almaluz Díaz. La nana de la cebolla y Mi niñez son las favoritas de mi mujer. A mi sobrina (nuevamente, Arysabel) le conmueve una pieza: Canción infantil. A mi siempre recordado Pedro Chávez le gustaba enormemente Lucía. La preferida del poeta Manuel Cabesa es En cualquier lugar. A él particularmente lo reconozco y me reconozco en la pieza “Decir amigo”. Romance de Curro me remueve la melancolía y el recuerdo imperecedero de mi hermana Aura Silva. Un caso especial lo representa mi querida y nunca bien enaltecida Cristina Luengo, quien no es fácil ubicarla porque todo Serrat es una invitación a evocarla.
De los personajes relevantes de la política nacional que han confesado su predilección por una canción en particular figuran la ex ministra Haydeé Castillo con la pieza Honey (Cariño te extraño), Pompeyo Márquez con Hey Jude de los Fabulosos 4, y el mismísimo Presidente Chávez con la pieza ¿Que tal te va sin mí? (de Manuel Alejandro) en la voz de Raphael, entre otros.
Esa radiografía que de nosotros ofrecen las canciones, la interpreto como una especie de código cifrado, cuyas vibraciones se expanden para tocar zonas a las cuales sólo podemos llegar en sueños. Su contenido parece que guarda una clave que sólo puede descifrar y entender la potencia de la amistad o la intensidad de un amor.
¿No le ha pasado más de una vez que cuando está escuchando una canción que lo conecta afectivamente con un amigo, una amiga o un ser querido, de repente aparece esa persona como si sus vibraciones viajaran para avisarle nuestro deseo de verla? Palabra cierta. Esa persona que nos visita en ese momento ya había anunciado su llegada a través de la añoranza o la nostalgia que se desprende de esas canciones. ¡Abur y hasta la próxima! casconcert.blogspot.com cartonsil@hotmail.com, casconcert@gmail.com
Joan Manuel Serrat

Recuerdos Paulatinos (Parte 6)

2009-02-13T06:30:00.001-08:00

No es una exageración afirmar que los tres reyes magos vinieron de Maracaibo. Efectivamente, en 1960 cuando el maestro Billo decide reestructurar su orquesta toma la feliz determinación de contratar a tres grades solistas maracuchos o marabinos: Felipe Pirela, José Cheo García, y Joe Urdaneta, quien se incorporará dos años después al equipo. Al pasar el tiempo se forma otro line up en la orquesta más popular de Venezuela con la llegada de José Luís Rodríguez y Memo Morales, el Gitano Maracucho
De este primer trío que amenizó la escena musical entre 1960 y 1964, resalta por su indiscutible carisma y gran calidad interpretativa el inefable Cheo García, quien asumió la exigente pero agradable tarea de hacer bailar a la gran audiencia que en esos años colmaba las principales salas de baile de las grandes ciudades y pueblos del país.
Bastaría decir que Cheo, con quien tenemos una enorme deuda histórica, representa una referencia de primer orden en el género guaracha. Junto a Manolo Monterrey (el Ciclón antillano) y Víctor Piñero representa la trilogía por excelencia de este ritmo oriundo de Cuba. Durante una larga trayectoria de aciertos y satisfacciones recordamos con mucha nostalgia la etapa que le tocó compartir con Felipe Pirela, su paisano del Empedrao y partenaire en la interpretación de los famosos mosaicos de Billo, unos pouporrit que intercalaban boleros y guarachas.
Pero más allá de los datos históricos y musicales de José Rafael García Áñez, para los efectos de esta crónica nos interesa esa parte anecdótica ligada a mi vida afectiva. Debo confesar que siempre sentí preferencia por Pirela porque su voz tenía el privilegio de tender un puente entre los corazones que buscaban probar suerte en el amor. Cheo era como se dice “el corta nota” porque cuando uno estaba en el instante clave del romance, nos soltaba aquello: “de cuidadito compay gallo, cuidadito, aquí donde usted me ve yo tengo mi periquita, busque usted su gallinita, que esa se hizo para usted…”
Sin embargo, a pesar de este detalle que perdió relevancia con el paso del tiempo, Cheo era una contraparte de categoría que no podíamos obviar en aquellos mosaicos ensamblados para se bailados y cantados. Esta segunda opción fue la que tomé cuando enamorado de una muchacha en La Vega me tocó cantarle al pie de una escalera de madera. Como ejercicio nemotécnico tuve que incluir hasta las guarachas de Cheo. María Teresa con color de plenilunio y el olor de noche costeña ha sido hasta ahora la única persona que ha logrado soportar sin pestañear dos mosaicos de Billo cantado por quien apenas se atreve a tararear debajo de la regadera. Esta capacidad de aguante de María Teresa no estuvo a la altura de la impaciencia de mí tía Luisa quien se las ingenió para distanciarla de mí. Con el pretexto de evitar su “deshonra” y apartar de mí el cáliz de la perdición habló con la mamá de esta muchacha que se me extravió en la neblina de los recuerdos.
Los latinoamericanos vivimos en la paradoja de celebrar con boleros y despachar el despecho con guarachas. Y más que celebrar, la guaracha nos sirve para minimizar, o quizás para enmascarar las penas. Esta fue la primera razón por la cual me reconcilié con ese gran cantante, alma y motor de todas las fiestas que se han hecho en Venezuela a partir de 1960. Los primeros términos de esa reconciliación la marcó el celebrado y bien bailado tema La vaca vieja, que sonó durante esos años y sirvió para acompañar mi soledad mientras estuve internado en el Centro Educacional Para Adolescentes (CEPA) en Las Clavellinas.
A la popular Vaca vieja le siguen innumerables éxitos como “El profesor Rui ra, Una flor para mascar, Toy Contento”, “La Flor del Trabajo”, “La Negra Leonor”, “El Caballo Alazán”, “Pa’ Maracaibo Me Voy” (de su autoría) , “No Hay Quien le Gane (al Magallanes)”, “Santa Marta, Barranquilla y Cartagena”, “Los Cadetes”, “Canto a Caracas”, “Ariel”, “El Brujo”, “Si Yo Tuviera una Novia, entre otros tantos hits.
Cheo García es hoy no sólo un recuerdo sino una presencia permanente la cual podemos invocar e invitar a nuestros saraos y esas evocatorias reactivadotas del imaginario maracucho y cabimeño, donde siempre están presentes valores como los Blanco, Los Master, Imperials, Gran Caribe y otros tantos grupos zulianos que hacen honor a esas estirpe de guaracheros que Cheo supo representar con bonhomía y talento. Nadie sabe lo que tiene hasta que lo pierde. En una oportunidad cuando me tocó pasar el año nuevo en el exterior pudo corroborar el valor de este gran guarachero. Confieso que en el justo instante de la medianoche sentí melancolía y extrañé profundamente las canciones de Billos y especialmente las interpretadas por quien tenía el don de ponerle sabor a estas despedidas anuales. Esta historia continuará. ¡Abur y hasta la próxima entrega!

Recuerdos Paulatinos (Parte 5) La fiesta existencialista de los 60

2009-02-06T10:21:00.000-08:00

Nunca conocí a alguien que haya estado en una fiesta existencialista, de esas que se hacían al principio de los 60 y que despertaron más de una suspicacia y equívocos. Venezuela como otros países latinoamericanos experimentó en sus ciudades más importantes no sólo un crecimiento demográfico sino un cambio sustancial en sus costumbres y manera utilizar el tiempo de ocio.
Efectivamente, ese “time out” (tiempo de descanso), que en países como en Estados Unidos, Francia o Alemania tuvo una manifestación resueltamente cosmopolita, en el nuestro se mostró tímido y algo pueblerino. Como en otras latitudes, quienes aquí en Venezuela propiciaban estos eventos privados pertenecían a los estratos más ilustrados de la clase media. Estudiantes, profesionales e individuos avant garde se las ingeniaban para armar esas reuniones donde se daba rienda suelta para que las personas se expresaran con total libertad. Si no me equivoco, se trataban de reuniones ambientadas con música y alimentadas con discusiones interminables.
El cuerpo filosófico de este comportamiento grupal tenía el respaldo doctrinario de pensadores existencialistas que eran leídos y adorados como una especie de tótems. Sastre, Kierkegaard, Heiddeger (el más importante de todos) Jaspers y Camus funcionaron como nutrientes conceptuales de esa generación que dejaba atrás diez años de dictadura militar.
A pesar de haberse instaurado la democracia a partir del 23 de enero de 1958, los factores represivos aún persistían para despecho de quienes desde la vanguardia política en 1960 decidieron irse a las montañas para tomar la vía armada. A la par de la insurrección guerrillera, el país urbano tuvo también su respuesta iracunda e irreverente a través de grupos literarios y artísticos como el Techo de la Ballena en el cual militaron intelectuales como Adriano González León, Carlos Contramaestre, Juan Calzadilla, Caupolicán Ovalles, Salvador Garmendia, Edmundo Aray, Dámaso Ogaz, , entre otros tantos.
A la par de las incursiones de la izquierda política y militante, los existencialistas seguían en su tarea de vivir la existencia de acuerdo a los postulados de sus más connotados ideólogos. Para estos pensadores la existencia tiene un significado restringido el cual está referido al mundo propio del hombre. La existencia es el punto de partida para la acción del hombre quien debe valorar la libertad de elección y su correspondiente responsabilidad social. Para algunos filósofos de esta corriente, la existencia como centro de toda acción y devenir antecede a la esencia. Para Kierkegaard, el acto de vivir, al no ofrecer posibilidades de garantías, genera una angustia existencial. Este estigma guiará la acción del hombre a lo largo de toda su vida. Sastre, por su parte se refiere al absurdo de vivir. Existir es sinónimo de estar en el mundo con todas sus implicaciones.
Estas reflexiones formaban parte de los temas abordados en esas fiestas existencialistas. Mientras que algunos le daban rienda suelta al cuerpo al compás de la música, otros se entregaban a la tertulia prolongada. Como música de fondo sonaba algún jazz de Dave Brubeck y su famoso disco Time out, muy escuchado por los intelectuales de ese entonces. Además de Brubeck, se consumía mucho Al Hirt, Orquesta Serenata Tropical con el disco Rumbas Solamente Rumbas, Xiomara Alfaro, Yma Sumac, María Callas, Andre Kostelanetz, Duke Ellington entre una larga lista de estilos y tendencias. En ese entones la marihuana era una tímida tentación y el sexo una invitación para el amor libre y sin restricciones.
Un amigo de esa generación, amante del jazz, del cine de vanguardia y la música clásica, al escuchar mi pregunta me soltó una sonora carcajada y me respondió con cierta ironía: “Todas nuestras fiestas en ese período eran existencialistas. Las demás eran puros disfraces”. Si lo interpreto bien, creo que mis amigos eran existencialistas sin pregonarlo. Lo eran por la manera de vestir, por sus gustos y pensamientos de avanzada. Pero particularmente lo eran por su actitud ante la vida. En cambio yo a mi corta edad sólo me limitaba a escuchar los comentarios y elucubraciones de quienes sin haber estado nunca en una fiesta existencialista, hablaban con vaguedad, argumentos muy pobres y nada convincentes. En mi caso sustituí la falta de experiencia directa por mi imaginación sin límites. En mi viejo tocadiscos repetía y una y muchas veces la pieza Caravana (de Duke Ellington y Juan Tizol) que sin saber que era un icono del jazz, había activado los resortes de mi sensibilidad para imaginarme en medio de un salón conversando y haciéndome las mismas interrogantes que motivaron el espíritu de esas tertulias. Esta historia continuará. ¡Abur y hasta la próxima entrega!

Recuerdos paulatinos (Parte 4)

2009-01-30T05:49:00.001-08:00

Nueva Ola, existencialismo y música moderna eran términos que a principios de los 60 eran intercambiables. Con una inaudita audacia y una insalvable ignorancia, el común de los venezolanos usábamos tales términos como sinónimos y equivalentes. En medio de esa telaraña de significados recordamos nombres de artistas como Los 5 Latinos, Monna Bell, Los Zeppy y hasta la Primerísima Mirla Castellanos quien tomó como referencia obligatoria a la gran Mina. es oportuno aclarar que el término Nueva Ola pertenece al cine francés que define al movimiento estético que entre 1959-62 agrupó a creadores valiosos como Francois Truffaut, Jean-Luc Godard, Alain Resnais y Claude Chabrol entre otros.
Montados en la carruaje de otra “Nueva Ola” llegó César Costa a nuestro país para imponer los suéteres a raya y el discreto copete que perdió efectividad tres años después con la llegada de Los Beatles. Como una prolongación de los 50 musicales, la balada continuó conquistando espacios entre los oyentes. De esta manera el primer César Costa que llegó a presentarse en el Show de Renny impuso un estilo y un bloque de canciones que cautivaron a un sector de la juventud. A mis pocos años me veo tarareando algunas baladas como Diana, Mi Pueblo, Adán y Eva y Besos por teléfono y uno que otro éxito versionado por César Costa cuyo nombre verdadero es César Roel Schereurs nació en el Distrito Federal de México y representa toda una referencia en el llamado pop hispano. Junto al venezolano Enrique Guzmán canalizó las simpatías de muchas de las jovencitas de aquel entonces que deliraban en todo el continente. Con esa fama y aire de teenager llegó a Venezuela para despecho de muchos hombres que no ocultaron su envidia tal como se evidenció en pleno show de Renny donde un exaltado en plena cámara le llegó a gritar a todo pulmón: “M…”
En medio de ese furor los venezolanos cuyas edades oscilaban entre 12 y 20 años entonábamos sus canciones mas sonadas. Eran letras simples, si se quiere banales y otras excesivamente cursis pero la moda es ciega y la emoción no pierde el tiempo para robarle espacio a la razón. “Cada vez que mi corazón,/ late en busca de una ilusión,/ ring ring ting aling,/ quiero llamarte a ti wuo wuo wuo. Besos para ti much-much/Besos para ti much-much /es mi corazón que siempre anda en busca de tu amor”. ¿Se habrá visto algo más tonto que esta letra? Sin embargo, una letra muy pobre en contenido lírico funcionó con una orquesta acoplada y la habilidad de un buen vocalista.
Junto al boom de cantantes mexicanos recordamos a los Holligans quienes impusieron el sonado éxito Agujetas de color de rosa. Durante esos años sonaban los temas de la chilena Monna Bell, quien logró pegar en nuestro país verdaderos éxitos como El telegrama, La Montaña y Don Quijote, interpretado también por Los 5 Latinos con la interpretación solista de Estela Raval..
Al final de los 50 y a todo lo largo de los años 60 como parte de una expresión mimética de la cultura, casi siempre se mantuvo la tendencia entre solistas y grupos musicales latinoamericanos de copiar o seguir pautas extranjeras. Los 5 Latinos era una respuesta a Los Platers; Monna Bell y Mirla una consecuencia de Mina, César Costa, el Paul Anka mexicano. De igual manera, los grupos latinos, comenzando por Los Teen tops eran prolongación de Elvis y Chubby Cheker, conocido como el Rey del Twist. Aquí en Venezuela tuvimos versiones criollas como Los Zeppy, Los Naipes (con Mirtha Pérez) y Los Impala, cuyo nacimiento en Maracaibo se ubica el final de los 50. Esta larga lista de canciones y artistas que saltan en tropel para activar la máquina de la memoria tiene mucho que ver con esos años vividos en La Vega. De esa época recuerdo a un muchacho que estudió conmigo en el Instituto Parroquial Santa Rosalía, quien nos juró que había conocido a Paul Anka en el Hotel Tamanaco. Para lograrlo se hizo pasar por limpiabotas. Allí, en un ínterin, no sólo le lustró los zapatos al creador de Diana, sino que estrechó su mano y consiguió que le cantara una canción a capella (creo que My Town) Ahora no recuerdo su nombre pero sí su sonrisa iluminada por la emoción de haber conocido personalmente a un verdadero astro de la canción. No sabemos si la historia es cierta o inventada. De todos modos no deja de ser fascinante. ¿No les parece? Esta historia continuará. ¡Abur y hasta la próxima entrega

YouTube - AL DI LA

2009-01-22T04:13:00.000-08:00

YouTube - AL DI LA

Recuerdos paulatinos (Parte 3)

2009-01-22T03:58:00.000-08:00

Quizás fue en la parroquia La Vega donde comencé a saborear por vez primera los privilegios de la libertad. Mi hermana Aura se había ido de la casa para hacer vida independiente con su marido Ricardo Yaya. Mi sobrino Bernardo José nacería exactamente el 23 de septiembre de 1961, dos meses y una semana después de la muerte de mi abuelo Leopoldo Silva. Desde ese entonces comencé a manejarme solo. A los once años ya había trajinado las principales calles de La Vega, Los Paraparos, El Paraíso, Puente Hierro, El Guarataro, La Plaza Oleary, Santa Rosalía, San Martín, El Calvario y todo el centro de la ciudad de Caracas. A tan corta edad ya me había iniciado en los ritos de la modernidad.
Mi madre era una mujer absolutamente moderna. De ella aprendí el sentido de la independencia que han caracterizado gran parte de mi vida. Junto al sentido de independencia estaba el respeto a la individualidad, inherente a la libertad.
Con ese mismo sentido de libertad vestía y comía lo que me apetecía siempre y cuando tuviera la disponibilidad monetaria. Ese aire de libertad me llevó más de una vez al Restaurant Primavera a saborear las exquisiteces de la comida italiana. Por esa inclinación que siempre he sentido hacia la música y gastronomía mediterráneas, no desperdiciaba ninguna oportunidad para disfrutar los platos que a muy módicos precios ofrecían en esa modesta trattoria.
El restaurante Primavera estaba ubicado en la calle principal, a pocos metros de la iglesia, al lado del Cine La Vega y al frente de una taguarita china donde vendían un delicioso quesillo a medio (Bs. 0,25). Con aromas caseros que mezclaban técnicas artesanales aprendidas en su terruño natal y una sazón lograda con especies e ingredientes gratos al paladar, los italianos ofrecían un exquisito menú a precios súper solidarios. Ante esos olores embriagantes e inconfundiblemente nobles me sentaba a deglutir el sabroso menestrón o la pasta a la boloñesa que hacían del lugar un palacio concebido para festejar el buen apetito. En una fiesta de aromas desfilaban los tortellini, los fetucchini bañados en salsa boloñesa, napolitana y pesto. Los sabores de la albahaca, orégano, pignoli entraban en un duelo de fragancias que constituían el único efecto propagandístico de este restaurante italiano.
Cuando pienso en estos platillos, no puedo dejar de evocar las canciones del Festival de San Remo al estilo de Come prima y Al di la, canción que sirvió de tema a una película insulsa que lleva por título Los amantes deben aprender. Por influencia de mi hermana Aura me convertí desde pequeño en un seguidor del Festival de San Remo.
Cuando todas estas cosas estaban sucediendo sonaba mucho la archiconocida Arrivederci Roma, compuesta por Renato Ranucci Massa, el mismo que se alzara con el primer lugar en el San Remo de 1960 gracias a su interpretación del tema intitulado Romántica.
De acuerdo al poder adquisitivo de los comensales, iban y venían los pedidos que incluían entradas y guarniciones donde no faltaban las sopas, los pastichos, los quesos, los panes y la focaccia. Mis escasos recursos sólo me permitían un ministrone o un plato de espaguetti, que entre los dos no sumaban tres bolívares. Era tan barato que todavía me alcanzaba para el refresco y el consabido quesillo de los chinos del frente.
Junto al Primavera me vienen los recuerdos del Cine La Vega donde más de una vez me colé para ver películas censura C, sólo aptas para mayores de 18 años. Tal fue el caso del estreno de la película El Rapto de las sabinas, producción argentina que me sedujo por las posibilidades de ver los muslos y algo más de las actrices mexicanas Lorena y Tere Velásquez. Esa vez corrí con suerte. Logré esconderme en el baño hasta que apagaran las luces de la sala. Todo al parecer iba muy bien cuando una linterna me alumbró de lleno en la cara. Enseguida el guarda sala se percató que estaba coleado. La emoción y el susto me delataron. Cuando fui sacado del cine la película estaba por terminar. No importaba, ya había visto algo de la desnudez de esas dos mujeres que amaba a través de la revistas y otras tantas películas que llenaron mis horas de soledad. Esta historia continuará. ¡Abur y hasta la próxima entrega!

Recuerdos paulatinos (Parte 2)

2009-01-15T05:13:00.000-08:00

Los apuntes de esta historia forman parte de una visión que no tiene correspondencia con el mundo de hoy, mejor dicho con el mundo de la inmediatez. Son recuerdos paulatinos porque guardan más bien relación con fragmentos que vienen en flash back y en cámara lenta. Esta historia al chocar con la realidad o los prejuicios que han conformado esa realidad, resulta falsa. Cualquier intento por escribir lo que pasó a mi alrededor está ligeramente atenuado por mi percepción. Sin embargo esta escritura realiza un viaje a través del tiempo para extraer la quintaesencia de lo que pasó. El ejercicio de la escritura hace que estos recuerdos retomen un segundo aliento. A través de la palabra trato de asir el tiempo indócil e invertebrado de la memoria, más cercano a la ficción y a los sueños.
Gran parte de estos recuerdos paulatinos transcurren en la parroquia La Vega donde viví entre 1957 y 1963. Entre el barrio San Miguel y La Hoyada se fraguaron estas anécdotas que tuvieron como música de fondo una rockola llena de sonados éxitos como Tres meses de vida y El cocotero en la voz de Lila Morillo y Cuando no se de ti por Rosa Virginia Chacín.
El inicio de mi adolescencia trascurrió en un caserón donde convivíamos varias familias como ya indicamos en nuestra crónica anterior. Un asiduo visitante de esa casa de vecindad era el señor Padilla, quien llevó a su sobrino Rafael, estudiante de arquitectura, a vivir con nosotros. Una habitación iluminada por granados siempre en flor le servía de albergue. Sus días de estudiante de la UCV se interrumpieron cuando embarazó a una linda muchacha de nombre Corina, quien tenía como rasgo característico un enorme lunar que le ocupaba el entrecejo.
De mi temporada en La Hoyada recuerdo la presencia de un rosacruz siempre dispuesto a servir a los vecinos a quienes les ofrecía gratuitamente sus conocimientos en la reparación de aparatos electrodomésticos. Por esa casa desfilaron varios miembros del clan de Arquitectura de la UCV entre ellos José Ignacio Cadavieco y el popular Joselo Díaz, quienes hacían mofa de Rómulo Betancourt cuya popularidad en Caracas había llegado al subsuelo.
En medio de estos episodios evoco la figura severa de mi madre, quien jamás toleró verme con la camisa semi abierta, al punto que me prohibió andar con esa facha por la calle. Una vez, olvidando su advertencia, me dispuse a jugar pelota en medio de la calle. Estaba a mis anchas y con el pecho descubierto cuando vi apenas el celaje de una mano que me arrebató la camisa. Era mi madre quien ese día me hizo pasar una gran vergüenza ante todo el vecindario.
En esa misma casa presencié una sesión de espiritismo, la cual produjo en mí una especie de curiosidad y temor. Fue quizás ese miedo lo que arrinconó mi ánimo una noche cuando llegué a ese enorme caserón y vi todo oscuro. Había regresado de la escuela y al distraerme por las calles de La Vega no me percaté que ya había anochecido.
En medio de las tinieblas me acordé de la sesión espiritista y no entendía qué podía haber pasado. Al final me dijo una vecina que todos se habían ido para la funeraria porque el señor Padilla había muerto de un infarto. Ese día me sentí realmente desamparado y enrumbé mis pasos hacia la parada de los autobuses a esperar a mi mamá. En ese lugar las horas pasaron con angustiante lentitud. Al final vi descender de un bus marrón a mi madre que se sorprendió de verme tan asustado. Al verla me volvió el alma al cuerpo y desapareció el desamparo. Ya no estaba solo y hasta podía hacer un chiste de este momento tan triste. Esta historia continuará. ¡Abur y hasta la próxima entrega! casconcert.blogspot.com cartonsil@hotmail.com, casconcert@gmail.com

YouTube - Carnavales de Caracas en los años 1950

2009-01-14T07:49:00.000-08:00

YouTube - Carnavales de Caracas en los años 1950

Recuerdos paulatinos (Parte 1)

2009-01-14T06:16:00.000-08:00

Atrás dejamos a diciembre con su carga de consumo y diversiones. Ahora queda diagramar como quien dice el futuro. Mientras tanto yo sigo en flash back. En mi empeño de nadar contra la corriente me remito a los retazos de un pasado recurrente. Fue a mediados de diciembre cuando en compañía del amigo Alfonso Solano decidí instalarme en una trattoria de los Palos Grandes. En medio del bullicio navideño tratamos de hacer abstracción para dedicarnos a lo que más nos gusta: hablar de música, literatura y otros temas referidos a la ciudad que se nos escapa a causa de gobiernos desacertados.
En medio de la conversación me trasladé a los primeros años de la década de los 60 cuando asimilábamos la modernidad en blanco y negro. Como un fogonazo persistente me vino el recuerdo paulatino de Paula Bellini, una famosa locutora que tuvo entre sus virtudes la sobriedad, la elegancia y los atributos bien administrados de una belleza discreta y seductora.
Todas estas cualidades están fielmente retratadas en una canción compuesta y estrenada por Billo Frómeta en 1962. Junto a Paula Bellini brillaron también figuras como Marina Baura (la famosa color de Oro), Henry Altuve entre otras que acapararon la atención de los venezolanos quienes sin control remoto nos aferrábamos a los mitos publicitarios de la naciente década.
Al observar en sepia el rostro de Paula Bellini, me viene a la mente la imagen de otra Paula, una señora con quien compartí un espacio en la vecindad de La Hoyada de La Vega. Además de la señora Dilia y sus hijos Mario, Omaira y Elida, en esa casa de vecindad vivíamos mi mamá, la señora Paula, su hija María Teresa, quien mantenía amores sempiternos con un tal Ángelo.
Además de la canción de Billo, recuerdo muy nítidamente que para esa época todavía persistía el delirio colectivo que se suscitó a raíz del lanzamiento del Pájaro Chogüí interpretado por Néstor Zavarce. De este cantante y actor también sonaron otros temas como Novia, Tarde gris, Zulia y Vivian.
Cuando evoco estos instantes surgen sonidos, temas y canciones de muchas latitudes como Cuando Cuando Cuando, éxito del Festival de San Remo muy popularizado en nuestro país a partir de la versión de Héctor Cabrera. Con esa canción de fondo ubico las escenas de la Alcantarilla en Puerto Cabello donde un sacerdote socorre en sus brazos a un soldado herido en los hechos conocidos como El Porteñazo.
Los venezolanos de ese entonces también teníamos como telón de fondo la lucha armada cuyo rechazo masivo quedó evidenciado en los numerosos graffitis que tomaron las paredes de Caracas y otras ciudades del país.
En mi transitar por la Venezuela de esos años me detengo en los predios de las Colinas de Bello Monte, concretamente a escasos metros de Sears, donde estaba ubicado el Restaurant Cachapas Canaima. En este negocio trabajó mi madre Jerónima Silva, quien no sólo cumplía las exigencias de la comida criolla, sino que además tenía elevadas cualidades para la carta internacional.
Precisamente al lado de Cachapas Canaima quedaba el Rancho Tranquilino, primer negocio de parrillada argentina que se funda en el país, cuyo dueño trató de sonsacar a mi madre para llevarla a su negocio. Mi mamá con un alto sentido de la lealtad se negó rotundamente. Este gesto no fue tomado en cuenta por los socios de Canaima quienes a los pocos meses la despidieron sin justificación alguna.
Desamparada y desmoralizada, mi mamá se refugió en la peluquería más cercana donde un amigo la orientó y le puso un abogado a su disposición. Gracias a este estilista, quien nunca negó su orientación homosexual, mi madre pudo cobrar sus prestaciones sociales. Estas son las imágenes que se arremolinan en mi interior cuando escucho el tema de Billo, quien a igual que nosotros, se sorprendió de encontrar en Caracas una Bellini con garbo y el poder suficiente para ponernos a soñar. Esta historia continuará en la próxima entrega ¡Abur y hasta la próxima!

Limpiando el desván o adiós al mundo analógico

2008-12-20T06:54:00.000-08:00

Tal como lo he venido sosteniendo a lo largo de todos estos años, la Navidad es tiempo propicio para la reflexión y la puesta en orden de los asuntos del cuerpo y el espíritu. Hay en la misma atmósfera de diciembre una predisposición a despachar lo viejo para darle paso a la renovación. Por múltiples factores la época navideña se presenta propicia para hacer limpieza profunda
Bajo esa idea me dispuse a limpiar el desván de mi casa y así eliminar las cosas inservibles, inútiles y obsoletas que ocupan espacio, representan un dolor de cabeza y ocasionan más de un inconveniente. Una mirada fugaz al ático de mi residencia ofrece un paisaje variopinto que contiene desde una aspiradora vieja hasta clavos y tornillos, sin descontar potes de pintura y un valioso material audiovisual que muy bien pudiera estar en un museo de la imagen y la palabra. Suena bien, ¿verdad? Esa idea tuve que abandonarla cuando me vi obligado a salir sin previo aviso de estos chécheres. En el inventario figuran: máquina de escribir, cintas de videos, casetes, diskettes, diapositivas, cintas de VHS y otros instrumentos del ya agonizante mundo analógico.
Es muy poco lo que tengo que lamentar cuando se trata de salir de parrilleras, clavos, potes, zapatos, instrumental médico quirúrgico y un larguísimo etcétera. Pero muy distinta es mi actitud cuando tengo que desprenderme de mis discos de vinilo, revistas de música, mi colección de casetes de música clásica y otros incunables de la tecnología demodé. Eso fue precisamente lo que me tocó en suerte el pasado sábado, cuando por una bien estudiada exhortación de mi esposa debí salir de mis adorados bártulos (Cachivaches, como decimos en Venezuela).
Mientras esperaba el camión que se llevaría el preciado cargamento no pude evitar trasladarme al pasado y las múltiples anécdotas que iban activando cada uno de estos ejemplares de vinilo. En mayor o menor grado cada disco cumplía su función evocatoria. Pavarotti, Celibidache, Pirela interpretado por Héctor Lavoe, Charly García, Gato Barbieri, yacían al lado de los clásicos del rock como Led Zeppelin, Pink Floyd, Sting, John Lennon, King Crimson, por citar algunos. Además de estas luminarias, en el lote de discos desechados también figuraban cantautores valiosos como Alberto Cortez, Gianfranco Pagliaro y Joan Manuel Serrat con el disco negro dedicado al poeta Miguel Hernández, del cual guardo un nítido y emotivo recuerdo de mi época en Guarenas.
De todos los discos grabados por Serrat dedicados a los grandes poetas hispanos parlantes, este es el disco que más añoro. Sus temas me llegaron y me siguen llegando a lo más profundo. Las nanas de la cebolla, Para la libertad, Elegía, Llegó con tres heridas, Umbrío por la pena, Boca, Romancillo de mayo, El niño yuntero, Canción última y particularmente Menos tu vientre, son los títulos de un disco que me remite a un tiempo de soledad existencial, de inconformidad, de insomnio prolongado, de lectura voraz, de tertulia a las 6 de la tarde, tiempo de la UCV, amores al final de la adolescencia, de amigos inolvidables, mis últimos días en Catia, y finalmente, el recuerdo de Tayde en Guarenas.
A Tayde la conocí una mañana fresca de mayo, cuando en compañía de unos amigos comunes nos dio por beber cervezas en una tasca en Guarenas. Hubiéramos podido ser dos grandes amantes. Lamentablemente los celos excesivos de sus hermanos y el temor de enfrentar radicalmente a su familia marcaron una distancia insalvable.
Años después la vi en el Centro Comercial Trapichito donde trabajaba. Allí fijamos una cita para ir al cine Altamira a ver la película El huevo de la serpiente, de Ingmar Bergman. La experiencia de esa salida me dejó un sabor si se quiere triste. No hubo besos ni promesas ni despedidas efusivas. Desde ese día no la he vuelto a ver. De esa relación queda el disco negro de Serrat que aún debe conservar. Hace unos años supe de ella por intermedio de un primo con quien me envió efusivos saludos. El tiempo ha pasado, y ahora desde el rincón de mi desván veo este disco que me remite a muchos momentos vividos en compañía de amigos y amigas que ya no están o simplemente tomaron rumbos distintos en la geografía física y sentimental La próxima vez cuando me toque limpiar el ático o simplemente tenga que deshacerme de estos bártulos, lo haré sin fijarme ni pensar mucho. No vaya ser que el pasado vuelva a jugarme una impredecible travesura. ¡Abur y hasta la próxima!

elcuervolopez: ¿LE GUSTA A USTED LA MUSICA CLASICA?, ESCRIBE CARLOS ANTONIO SILVA, COLUMNISTA INVITADO

2008-12-20T06:44:00.000-08:00

elcuervolopez: ¿LE GUSTA A USTED LA MUSICA CLASICA?, ESCRIBE CARLOS ANTONIO SILVA, COLUMNISTA INVITADO

Sin música no hay literatura

2008-12-06T16:22:00.000-08:00

“Desde adolescente, mi sensibilidad percibió que sin música no hay literatura. De manera directa o indirecta siempre hay una melodía que nos lleva a captar la esencia de lo escrito”. Tales palabras corresponde a los comentarios formulados por el periodista Carlos Antonio Silva a propósito de la presentación de su libro “En un disco la vida y otras crónicas musicales”, en un acto realizado en la Biblioteca Agustín Codazzi.
En correspondencia a un evento patrocinado por la Fundación Ludovico Silva y la Asociación Cultural Pie de Página, Carlos Antonio Silva expresó un conjunto de ideas que gravitan en torno a sus lectura iniciales, influencias y las motivaciones que a lo largo de su vida ha encontrado en la poesía, narrativa y fundamentalmente en la música como inspiración suprema a la hora de escribir.
-Además de mi gusto por la poesía se iba reafirmando en mi interior otra pasión que representa la mayor motivación en mi actividad literaria. Me refiero a la música. Yo no podría escribir una letra si no tuviera la nutriente de la música. Ella es mi primer alimento.
Para complementar esta afirmación, CAS enumeró una larga lista de compositores e intérpretes que han constituido un importante eje en su discurso literario. Entre los favoritos de CAS figuras: Johann Sebastián Bach, John Coltrane, Eddie Palmieri, Simón Díaz, Héitor Villa-Lobos, Aldemaro Romero, Aretha Franklin, Morella Muñoz, The Swingle Singers, Gurrufío, Rubén Blades, Otilio Galíndez, Gustav Mahler, Brahms, entre otros valores de aquí y de allá.
Las palabras de CAS fueron complementadas por la intervención del poeta Manuel Cabesa, quien en su rol de presentador del libro asomó algunas anécdotas del autor con quien le tocó vivir algunas de las historias reflejadas en estas crónicas. Como uno de los protagonistas de estas crónicas Manuel Cabesa también habló de discos, libros y gustos compartidos.
Este acto sirvió para conmemorar el Día del Escritor a propósito del Natalicio del poeta Andrés Bello. Igualmente está actividad funcionó como un válido pretexto para celebrar los cumpleaños de los escritores Manuel Cabesa y Lucila Balza. Por su parte CAS destacó la importancia de palabra como instrumento de transformación y propiciador de calidad de vida.
-Una palabra puede cambiar al mundo, o dejarlo igual. Pero creo, que los versos de Neruda, aún los más sencillos, tienen una enorme repercusión en el alma humana. Igual considero que lo expresado por Octavio Paz en El laberinto de la soledad ha dejado una profunda huella en el mundo contemporáneo.
En su discurso CAS dejó muy claro que el primer compromiso de un escritor es con la palabra misma. Ella es su principal instrumento para estar en el mundo con dignidad.
-Antes que el compromiso social o político está el compromiso con la palabra. A ella me debo como una prioridad impostergable. Sin el dominio de esta herramienta, sin el uso adecuado del lenguaje cualquier otra misión del pensamiento está condenada al fracaso. Debemos hablar y escribir bien, no para regocijarnos en nuestro propio narcisismo, sino para entonar el canto armónico que nos sirva de brújula en el desierto de la incomprensión, como bitácora en el mar de la confusión.
En sus palabras iniciales, el autor de En un disco la vida señaló el hecho de estar entre amigos como una magnífica oportunidad para celebrar en la intimidad que pauta la palabra y su posibilidad de crear otras realidades como la misma que se reinventa a partir de las experiencias que son ficcionalizadas y contadas tal como surgen en nuestros recuerdos. Bien decía Gabriel García Márquez, “la vida no es como se vive sino como ser recuerda y se cuenta”. Eso es exactamente lo que ha hecho CAS con estas memorias: relatar unos hechos bajo la atmósfera de su impresión sobre esos recuerdos a partir de una escritura que tiene en la música su principal referente.
-En mi transitar por la vida, y entre pasiones y amores, la música fue pulsando parte de mis inclinaciones literarias. Como lector también siento que siempre está sonando de fondo una sonata, un guaguancó, una fulía, un blues, un bolero o una suite. Puedo decir entonces que la música me sirvió de vehículo o medio para transitar los caminos de la literatura.
En el acto de bautizo estuvieron presentes el poeta Manuel Cabesa; la periodista Almaluz Díaz, madrina del libro; la licenciada Jacqueline Durán Túas , esposa de Carlos Antonio Silva; Thaís Silva, de la Fundación Ludovico Silva, la escritora Lucila Balza

Masseratti en clave de Ada Primavera

2008-12-06T15:29:00.000-08:00

Los descubrimientos importantes se dan cuando uno menos los espera. Puede ocurrir en una esquina, en un restaurante, en un teatro, en una fiesta o en casa de un amigo. Ellos saltan de repente y desde su silencio irradian una luz especial para retar nuestra indiferencia. En mi caso estos encuentros del primer tipo ocurren con mujeres, libros y discos.
El hallazgo al cual me voy a referir en esta crónica tiene que ver con la música y más concretamente con la música de avanzada que se hace en Venezuela. Era un cálido día de junio de 2005 cuando en un recorrido por los lados de los Caobos, la GAN y el Museo de Bellas Artes se me ocurrió entrar a la Librería Ateneo. Fue allí donde divisé por primera vez un disco de Masseratti 2lts. Fue un amor a primera vista, lo confieso. Al verlo en uno de los anaqueles me cautivó el colorido del diseño de la tapa. El título no podía ser más sugerente: “Masseatti 2lts. Exposición verano-verano”. Más abajo se podía leer: the down tempo venezuelan project. Tomé el CD, pagué en la caja y dije para mis adentros: “Voy a ver de qué se trata esto”.
Ya en mi casa puse el disco y me dejé llevar por su sonido envolvente. Fue una vibración que me conectó con lo nuevo, con lo urbano, pero sin desligarme de mis raíces, mi herencia musical, mi patria sonora y lo que es muy revelador: la modernidad musical que a todos nos toca.
Desde ese día me obligué a revisar el resto de su discografía. El CD adquirido en Caracas era el tercero de su producción musical. Al álbum “Exposición Verano-Verano” (2004), le precedían: “En Sabana Grande también hay” (2002) y “Vacilón dans la chambre” (2003). En los estantes ya estaba el disco de ese año: “Folklore NO-tradicional Venezolano # 4” (2005).
Para ponerme al día y hacerle seguimiento a lo que ha sido la evolución musical de Masseratti, busqué aquellos discos que me faltaban. Para ello logré entusiasmar a mi hijo Wolfgang, quien se convirtió en mi cómplice en este rastreo de los discos faltantes. A él le debo Vacilón dans la chambre y Coctel #5: Cacao, Mujer y Beats (2006). El resto lo adquirí en Maracay.
¿De que se trata todo esto? ¿Qué es el down tempo? ¿Qué es el chill out?. En primer lugar, down tempo significa tiempo bajo, ritmo lento. El chill out (cuyo significado en inglés es relajarse) es una de las modalidades del down tempo. Junto al ambient y el lounge, es consecuencia y variación de la música house y tecno. Como género, el chill out ha evolucionado hacia una música más compleja donde las fusiones obedecen a los más distintos criterios. Se puede hacer chill out de bossa nova, de los Rolling Stones y hasta del mismísimo Tío Simón.
Para quienes aún no lo saben, Masseratti es un proyecto impulsado por los hermanos Fernando y Armando Gómez (oriundos de Maracay), quienes a partir de una propuesta fresca y alimentada por elementos de nuestra cultura musical, han creado un sonido original que nada tiene que ver con las variantes del chill out de otras latitudes. Armando en Chuao (Caracas) y Fernando en París son los artífices de este proyecto que ya suma una legión significativa de admiradores en varios países que lo siguen a través de internet.
Después de cinco proyectos discográficos, Masseratti 2lts nos vuelve a sorprender con “Cuentos de Ada 6” (2007), un disco que cuenta con las intervenciones de Gaélica, Los Amigos Invisibles y Erika de La Vega.
En Cuentos de Ada 6, Masseratti logra sincronizar estilos, influencias y los más variados elementos técnicos para proporcionarnos una obra coherente, fresca y algo audaz pero sin llegar nunca a la estridencia y disonancias que tanto nos rodea. Adara es el nombre de la hija más pequeña de uno de los hermanos Gómez que sirve de título y señuelo a esta producción vigorosa presentada en forma de relatos donde los beats y melodías van dando coherencia y concepto de unidad. Ada Primavera (como se titula uno de los surcos) en clave de down tempo es un buen material para dar paso a la armonía y dejar que la paz se instale en nuestro interior. Sin duda alguna, la música de Masseratti es para pasarla bien, muy suave y alejada de la anarquía exterior. A quienes estén interesados en esta propuesta les informo que el próximo 1º de noviembre a partir de las 6 pm en el Aula Magna de la UCV, Masseratti 2lts estará promocionando su último disco Cuentos de Ada 6. ¿Qué tal? ¡Abur y hasta la próxima! casconcert.blogspot.com cartonsil@hotmail.com, casconcert@gmail.com

¿Le gusta a usted la música clásica?

2008-12-06T15:15:00.000-08:00

¿Le gusta a usted la música clásica? ¿Es usted acaso un debutante, un aficionado o simplemente un admirador a distancia como aquellos mortales que dicen creer en Dios y nunca van a la iglesia y ni siquiera dejan un espacio para la oración?
Quizás luzca como una pregunta impertinente pero me arriesgaré a responder con los indicadores que me aporta la realidad inmediata y las personas con quienes me ha tocado compartir a lo largo de toda una vida.
Muchas personas en el mundo entero que han palpado de cerca los prodigios de la Orquesta Simón Bolívar bajo la batuta de Gustavo Dudamel estarán jurando que en Venezuela, a juzgar por el alto nivel de sus músicos, es un país amante de la llamada música clásica o académica. Lamentablemente, la realidad es otra. Quienes hoy se solazan aplaudiendo y vociferando orgullo y falsa sapiencia no soportan los 35 minutos del primer movimiento de la Tercera Sinfonía de Mahler, por citar tan sólo un ejemplo.
No nos llamemos a engaños. Aquí en Venezuela como en casi todos los países del mundo la música clásica es apreciada por una minoría. En nuestro país (con muy pocas excepciones) la música clásica es vista con ojeriza y desdén. ¿Cuántos de nuestros compatriotas escuchan por lo menos un hora diaria a Beethoven, Bach, Gustav Mahler, o al mismísimo Inocente Carreño para citar uno de los nuestros?. A excepción de los músicos académicos, estudiantes e integrantes de las distintas agrupaciones sinfónicas y corales, el común de la gente vive y se desvive por los vallenatos, el reggaeton, salsa y todas las menudencias de la música hecha para público masivo. Y tiene que ser así porque todo ha sido planificado para el consumo fácil, sin complicaciones (tal como lo decía con orgullo Porfi Jiménez) y con miras a procurar la máxima rentabilidad a los magnates del negocio del entretenimiento.
Como en política, la gente busca los caminos más fáciles. Por lo general, los candidatos más estridentes e ignorantes son quienes al final resultan favorecidos con el voto popular. Ya hemos visto que votos y dinero no cuadran con el arte y la música. ¿Será por esta razón que los políticos, salvo contadísimas excepciones, son tan indolentes con el hecho cultural?
A muchas de las personas de diferentes niveles sociales y culturales (la cultura no se mide por chequera ni cesta ticket sino con voluntad y predisposición) que aplaudieron y lloraron cuando el maestro Abreu fue honrado con el Premio Príncipe de Asturias, yo les pregunto ¿hasta dónde llega su vocación por los clásicos? Y no vengan con el cuento de la exclusión porque toda la vida han existido canales gratuitos para el disfrute de la música en todas sus manifestaciones.
Cuando no existía esta valiosa herramienta que se llama Internet, los amantes de la música clásica teníamos que ingeniárnosla para acceder a las grandes obras. Una ligera retrospectiva en el tiempo nos llevaría hasta el canal clásico de Radio Nacional de Venezuela y el sello Círculo Musical creado por Aldemaro Romero en los años 60. Después vinieron las colecciones de la editorial Salvat de los Grandes Compositores y Grandes Temas que incluía folletos y cassettes. Una vez instalada la era del CD, a principios de los 90, hizo su aparición la revista Amadeus que se editaba en España con un excelente material informativo además de los discos compactos que servían de complemento y principal atractivo. Esta publicación que duró aproximadamente diez años circulando por estos países constituyó una fuente gran valor divulgativo para quienes teníamos limitaciones económicas para adquirir las obras de los grandes de la música.
En los años 60, quienes teníamos inclinación por la música académica éramos objeto de burlas y bromas de todo tipo. “Música de muertos”, “material para funeraria” y otros calificativos eran el pan y el golfeado nuestros de cada día. Hoy día cuando contamos con una avanzada tecnología que nos conecta con los principales centros de difusión cultural es inaudito que todavía existan personas renuentes a conocer el maravilloso mundo de la música con mayúscula. Mac Luhan hablaban de los medios fríos y medios calientes para medir el esfuerzo que cada uno deposita en el disfrute y aprehensión de un determinado mensaje. En el caso de la música, llámese sinfónica, coral, de cámara, popular, pop, rock, salsa, electrónica, neo folklore o tradicional, es una experiencia única que demanda toda nuestra atención y concentración. A ella debe acudirse sin prejuicios como quien se entrega a un acto amoroso. Nunca se llega a ella por un afán de presumir de culto, ni con la prepotencia de sino con la humildad de quien cree en el milagro del arte. Abur y hasta la próxima!

El arte de Luis Julio Toro

2008-12-06T15:10:00.000-08:00

El título de esta columna no sólo alude al último disco editado por este excepcional flautista venezolano sino a toda una trayectoria impecable que incluye además de los discos editados con la agrupación Ensamble Gurrufío, una bien nutrida discografía en solitario que ya suma por lo menos 7 proyectos dignos de los más exigentes coleccionistas.
Hablar de Luis Julio Toro es hacer referencia a la excelencia interpretativa. Su toque inconfundible nos remite a una nueva dimensión de la música a partir de arreglos inteligentes y el abordaje de un repertorio que se sitúa en esa patria sonora que no conoce fronteras ni prejuicios culturales.
A Luis Julio lo venimos siguiendo desde sus actuaciones con el grupo Ensamble Gurrufío donde se dio a conocer y conformó, gracias a su técnica depurada, una legión de admiradores y admiradoras que le pierden pisada. Y no es para menos. A Luis Julio lo hemos escuchado interpretando a los más variados autores y estilos que van desde un Haendel hasta un Eduardo Serrano, pasando por los valses de Antonio Lauro y toda la gama del repertorio hispanoamericano.
Personalmente lo conocí en 2006 en la Colonia Tovar durante un concierto ofrecido en la programación del Festival Internacional de Música de Cámara. En compañía del maestro Abraham Abreu al piano, Toro nos deleitó con un repertorio conformado en gran parte por las piezas incluidas en su disco Bach, llevado para ese evento para su respectiva promoción. En una segunda oportunidad lo escuché en otra edición del festival (2007) cuando se presentó con la música de Francisco de Miranda para complementar e ilustrar musicalmente el homenaje que se estaba rindiendo al precursor de la independencia hispanoamericana.
Con Gurrufío también me ha tocado verlo y oírlo igualmente en la inmensidad de la Colonia Tovar interpretando las piezas más emblemáticas del grupo incluidas en los discos Gurrufío en Vivo, El Trabadedos y El cruzao.
Sería muy difícil decidirse por un disco en particular, porque cada uno tiene su encanto particular. Dos reliquias que no deben quedar fuera son: Gurrufío con Serenata, y El reto, que recrea la leyenda de leyenda de Florentino y el Diablo según versión de Paul Desenne. Esta producción cuenta con la interpretación conjunta de Gurrufío y la Camerata Criolla, además de las actuaciones estelares de Francisco Pacheco (en el papel del Diablo), Argenis Sánchez (Florentino) y William Alvarado (narrador). Todos bajo la dirección Manuel Hernández Silva.
Esos discos me han servido no sólo para el deleite personal sino para compartir con amigas, amigos y familiares, quienes en más de una oportunidad me han acompañado a los conciertos. En esa legión de inefables amigas y amigos se anotan: mi compañera Jacqueline Durán, Fanny Rosse García, Almaluz Díaz, Amanda Cristina Huerta, Gabriela Morán, Alfonso Solano, Vilma Serrano, Ankeith Btacamonte, el profesor Juan Bautista Marcano, Yoyce Carolina, y otros tantos que no han dudado en desfilar para pedir un autógrafo y comprar los discos editados por Toros y disponibles en el mercado.
Su discografía en solitario registra títulos imprescindibles como: Vientos Alisios; Cantos y tonadas; Miranda, su flauta y la música (en el cual utiliza la flauta traversa), Bach, Toro Solo, Gran Danzón con la Orquesta de Córdoba con obras de Paquito D´Rivera, Juan de Dios García Aguilar y Silvestre Revueltas; y El arte de Luis Julio Toro (2007), que hoy nos ocupa.
El más reciente de Luis Julio es un disco antológico que abarca más de 20 años de su producción discográfica y cuenta con la asesoría de Bettsimar Díaz en la selección de los temas. El disco incluye obras de Simón Díaz, Astor Piazzolla. Antonio Lauro, Jacob do Bandolim, Alonso Toro, Johann Joachin Quantz ,Eduardo Serrano, Ricardo Sandoval, J.S.Bach y Consuelo Velásquez (Bésame mucho) una verdadera sorpresa.
Como toda antología es injusta pero apropiada para quienes se acercan por vez primera a un gran flautista, o para quienes queremos experimentar nuevamente el placer de revisar una digna y enriquecedora trayectoria artística. ¡Abur, y hasta la próxima! casconcert.blogspot.com cartonsil@hotmail.com, casconcert@gmail.com

CARLOS ANTONIO SILVA

2008-12-06T14:39:00.001-08:00

Después de varios meses de ausencia involuntaria, hoy vuelvo con más vivencias actuales y pretéritas que no tienen otro fin que conectarnos con nuestra memoria musical, esa Patria sonora que nos pertece a todos. A punto de culminar este año, nos toca recordar lo que fue 1968 para la humanidad. El año en el cual pasó todo. Revuelta en París, Mayo Francés. la Primavera de Praga, la matanza Tlatelolco en México, son algunos de los eventos que estremecieron al mundo en aquel entonces. A la par de estos hechos, estuvo la música carburando la rebeldía de toda una generación. The Supreme, Stepenwolf; Iron Buterflyl y su innovidable In-A-Gadda-Da-Vida; nacimiento de la "salsa" caraqueña y otras sonoridades se nos antoja para rememorar ese año inmejorable.

UN CAFÉ CON CESARIA EVORA

2008-12-06T14:35:00.000-08:00

Nunca he necesitado excusas para escuchar música y entregarme de lleno a mis artistas favoritos. Rendirme a esas voces que me han cautivado a lo largo de toda una vida. Sin embargo puedo decir que siempre hay un motivo oculto o visible que nos invita a sumergirnos en los sonidos musicales pertenecientes a culturas y estilos disímiles.
La buena fortuna, mi permanente interés por la música y la atracción por las novedades me han permitido el disfrute de la quinta esencia de una gama bien variada de sonidos. Siempre atento a cualquier sugerencia o dato, he llegado a escuchar voces de gran calidad como Ginamaría Hidalgo, Elis Regina, Mireille Mathieu, Mahalia Jackson, María Callas, Morella Muñoz, Aretha Franklin, Ella Fitzgerald, Soledad Bravo, entre otras artistas femeninas que me han arrullado, acariciado, trasnochado y estremecido para hacerme ver la otra dimensión de la vida, esa otra zona en la cual sólo ingresan los privilegiados.
En lo particular he aprendido a valorar ese legado musical desde el fondo de mis propias vivencias. Fue en esa dirección como llegué a Cesaria Evora, vocalista Excepcional de la Isla de San Vicente (Cabo Verde), que me atrapó desde la primera vez que la escuché por recomendación de mi hermana Aura Silva, quien ya tenía varios meses formando parte de esa cofradía especial.
Nacida en la ciudad portuaria de Mindelo de Cabo Verde en África, Cesaria Evora es una artista auténtica quien tiene el don de transmitir la tristeza, la alegría y el colorido de un pueblo transmutado en una voz inconfundible. Hay en el canto caboverdiano de Cesaría una riqueza poca usual, producto de un particular proceso de hibridación cultural, cuyos resultados representan un patrimonio para toda humanidad.
Respaldada por compositores talentosos como Teófilo Chantre y Manuel de Novas, para nombrar sólo dos firmas de prestigio, Cizé (como la llaman sus amigos y familiares) ha logrado conformar un repertorio rico en armonías, nostalgia y brillo musical. En su propuesta se han fundido distintos sonidos como la morna (el fado evolucionado, con clara referencia de la modinha de Brasil), las rítmicas coladeras, un blues muy particular y otras influencias tomadas a lo largo de su transitar por la vida y el contacto con compositores y productores.
Un disco muy lleno de esa fusión es “Café Atlántico” (1999) el décimo editado por esta singular artista lusafricana, quien tiene entre sus exigencias rodearse de sus querencias mas preciadas como son el mar y la sodade (saudade en portugués). Hay en este disco un intento por acercarse a la música de Cuba y Brasil. A pesar de haberlo hecho muy bien, ella prefiere cantar desde las cadencias de la morna (una especie de fado afrinacanizado). No debemos olvidar que el archipiélago de Cabo Verde fue por mucho tiempo colonia de Portugal. Su historia está teñida de sangre, desigualdad, esclavitud y sodade. Todo esto está reflejado en la voz de Cesaria Evora, llamada la Diva de los pies descalzos, en honor a los desposeídos de su pueblo. Canta descalza para no olvidarse de su origen humilde, como otros compatriotas marcados por el látigo de la pobreza.
Debo indicar que por recomendación de Aura Silva me entregué de lleno a esa voz a partir de un tripack contentivo de los discos “Antología”, “San Vicente do longe” y “Café di Atlánico”. Este disco que ahora nos convoca es suficiente motivo para rendir tributo por partida doble a la intérprete de “Vaquinha mansa” y a mi recordada hermana, quien dos años antes de morir, junto a mi esposa Jacqueline Durán decidió visitar (sin planificarlo) la ciudad de Puerto Cabello. Como parte de un pacto secreto y tácito, ellas se afanaron en darle cuerpo al imaginario porteño, que a semejanza del San Vicente de la diva descalza, está cargado de nostalgia, sensaciones y vivencias que sólo la música puede festejar e iluminar.
En un café restaurante del Puerto nos dimos a comer mariscos y beber vino y cervezas. Ese instante tan fijo en mis recuerdos lo interpreto como una invitación permanente a tomarnos un café o una cerveza (preferiblemente frente al mar) para celebrar y darle sentido a tanta música vivida. El café debe conversarse y sobe todo saborearse en el tempo de la voz seductora y espesa de Cesaria Evora, quien en una entrevista confesó: “Cuando me siento con estrés le pido al mar que me devuelva la paz”. Invito a mis lectores a ubicar tiempo y espacio, para en buena compañía dedícale un café a Cesaria Evora”. ¡Abur y hasta la próxima! casconcert.blogspot.com cartonsil@hotmail.com, casconcert@gmail.com

2007-11-07T07:42:00.001-08:00

Jefferson Airplane y la almohada surrealística

2007-11-07T07:36:00.000-08:00

Memorias del año 1967 (4)
La almohada sicodélica cumplió 40 años

La primera intención que tuve al escribir estas Memorias del año 67 fue abordar tres temas puntuales: la fiesta cuatricentenaria de Caracas, el terremoto de julio que sacudió a la ciudad capital y la apoteosis y muerte de Cherry Navarro. Luego, al revisar el ambiente musical de ese año, decidí ampliar la entrega a partir del abordaje de artistas cuya obra sirvió para echar las bases de todo lo que conocerá después como el fenómeno de la contracultura.
Particularmente en el terreno de la cultura pop hay nombres claves que debemos recordar en virtud a sus aportes y logros que aún percibimos vigentes y no desprovistos de una fuerza irresistible. Una de esas influencias fue el grupo Jefferson Airplane, propuesta significativa del llamado rock de la costa oeste. Precisamente, ese año que dio luz a discos fundamentales como I never loved a man the way I love you de Aretha Franklin, y Sargento Pimienta y Magical Mistery Tour, de Los Beatles, también fue propicio para el lanzamiento del álbum Surrealistic Pillow (La Almohada surrealística), disco que compré y escuché por vez primera cuando estudiaba tercer año de bachillerato en el Liceo Gustavo Herrera.
Para mi la Almohada Surrealística es uno de los discos más decisivos de los 60, solo que su influencia se circunscribe a los amantes genuinos del rock. No tiene nada que ver con el galleguismo propio de comeflores (no apto para horteras y jilipollas) que inundó gran parte del movimiento rock de Venezuela. Ese era el rock de las comunas, de la rebeldía auténtica que no daba concesiones. Yo lo recuerdo como el disco que me nutrió en mi etapa de adolescente. Yo tripeaba y tripeo con la voz de Grace Slick. Para mi es el gran disco que define de un solo plumazo el sonido de la costa oeste. En lo particular lo compré en Caracas en la tienda de Don Disco de la avenida Urdaneta. Obtenerlo fue para mí como un trofeo que sólo merecen los iniciados y amantes incondicionales. Perderlo años después fue una tragedia, una baja con sus respectivas heridas de guerra. Recuperarlo luego, en sonido digital, representó una enorme alegría y una magnifica oportunidad para recuperar y nutrir mis memorias perdidas entre los acordes de folk rock con sentido de trascendencia. Eso es para mí este disco en tono morado casi místico. Su disfrute fue siempre en secreto porque eran pocas las personas en esa época con quienes se podía compartir esa delicia. Aún recuerdo dos piezas inmortales: White rabbit y Somebody to love, precisamente los dos grandes aportes de Slick a la banda. Conformado por Paul Kantner, Marty Balin, Jorma Kaukonen, Jack Cassady, Spencer Dryden y la sacerdotisa Grace Slick, este grupo de la costa oeste se enroló en la canción contestataria con letras antibelicistas y con una pronunciada apología al mundo de las drogas que luego sería la nota dominante en un significativo sector de la juventud de los 60-70.
Quizás como un acto mimético a lo que estaba sucediendo en San Francisco con los hippies, muchos aquí en Venezuela nos dejamos crecer el pelo. Detrás de Jefferson Airplane y su almohada sicodélica están los ecos del Monterrey Pop Festival de ese año. Después de ese verano, la juventud en el mundo más nunca volvió a ser la misma, incluso la que no tuvo el privilegio de estar en Monterrey.
Recuerdo que para esa época una campaña publicitaria captaba la atención de amplios sectores de la población. Apelando a la técnica del suspenso se dejaba escuchar la voz del locutor: “Se está colando, se está colando”. Se trataba del famoso maestro cervecero que fue contratado por la Cervecería Caracas para mejorar el sabor de su demandado producto. La cerveza empeoró como muchas de las cosas que con el tiempo contribuyeron a defraudar las expectativas de una juventud y de un país dispuesto a transitar los caminos del cambio, un poco para ratificar lo que decía una letra de Bob
Dylan: “Vengan padres y madres de alrededor de la tierra/ y no critiquen lo que no pueden entender, /sus hijos e hijas están fuera de su control,/ su viejo camino envejece rápidamente,/ por favor, dejen paso al nuevo si no pueden echar una mano/ porque los tiempos están cambiando”. Esta historia sobre aspectos fundamentales del año 1967 continuará. casconcert.blogspot.com cartonsil@hotmail.com, casconcert@gmail.com

Leyenda Foto 1
Surrealistic Pillow (La Almohada Surrealística), del grupo Jefferson Airplane, un disco clave del movimiento hippie cumplió 40 años.

Nostalgia y valor de los 80 (7) Hombres G:Frescura del rock primigenio

2007-06-22T21:22:00.000-07:00

“Has sido tú que crees que no te he visto
Has sido tú el cocodrilo
Has sido tú la que me dio el mordisco
Has sido tú, ha sido tú, ha sido túuuuuuu”

El ataque de las chicas cocodrilo, Hombres G

Fieles a las raíces del rock and roll primigenio, Hombres G representa un instante de frescura en la musicalidad de los 80. Su rebeldía que no obedece a pautas publicitarias sino a un manera de administrar acertadamente la autenticidad, forma parte de la herencia de los pioneros de un género, que luego de suavizar su rebeldía durante la psicodelia y el rock sinfónico, toma un segundo aire con la arremetida punk y todo lo que representó la presencia de grupos como Police, U2 y el llamado del heavy metal.
La autenticidad de Hombres G no radica en una revolución musical porque más bien fueron conservadores y su innovación está en la carga de irreverencia, juegos de palabras y la puesta en escena de ese ambiente cotidiano del barrio. Allí están incluidas no sólo las palabrotas, sino la rebeldía propia de la adolescencia traducida en las broncas callejeras, el afán por el desquite y el enfrentamiento entre pandillas juveniles. En devuélveme mi chica se refleja el tipo camorrero que no acepta sentirse desplazado y manifiesta con frases subidas de tono su intención de desquitarse . “Sufre mamón, devuélveme a mi chica o te retorcerás entre polvo pica pica”. A todo lo largo de la canción el protagonista expresa sus amenazas de destrozarle el vehículo a su rival. Por ello las letras de las canciones responden más bien a las preocupaciones exclusivas de la etapa juvenil. Allí está su conexión con su público y con el rock primigenio, donde no faltan las trifulcas, donde no faltan las trifulcas entre adolescentes, rivalidadesentre grupos. Sus letras expresan lo básico. Sus baladas están montadas sobre una estructura sencilla, en la cual el soñar con la chica ideal no tiene más connotaciones que la angustia adolescente de experimentar la duda, el rechazo, la inseguridad y la soledad ante el amor no correspondido. Preparado con la alevosía que inspira la sed de venganza, el protagonista promete (cueste lo que cueste) recuperar el amor perdido.
En la peiza El ataque de las chicas cocodrilo! Se ratifica el carácter lúdico de quienes se sienten a gusto en su ambiente de chavales dispuetos a pasarla bien entre la picardía y camaradería. En “Visite nuestro bar” queda también reflejada esa banalidad que se traduce en una tendencia hedonista y hasta narcisista de una edad que tiene el privilegio de permitirse esas distracciones. “Hoy es viernes. Las niñas más bonitas te vas a encontrar. No lo pienses más. Visita nuestro bar”.
Pero más que hacer sociología sobre el rock como indiscutible fenómeno cultural, está el placer que nos proporciona la experiencia de haber no sólo disfrutado su música sino conocer a los integrantes del grupo Hombres G cuando se presentaron en la Maestranza César Girón en Maracay. En ese intercambio de palabras, muy breve por cierto, pudimos percatarnos de su sencillez. En todo momento se mostraron amables y orgullosos de sus raíces musicales. A los integrantes del grupo Rock and roll Circus (que actuaron como teloneros) no sólo le prestó su plataforma de sonido sino que los animó a seguir en la propuesta del rock. Con mucha alegría se remontaron a sus inicio de rocanroleros..
Ese brevísimo diálogo sirvió para ratificar una verdad. Ellos nunca se despegaron de su público al cual se debían, no como súper estrellas encumbradas sino como expresión genuina de una fuerza que sigue siendo la razón del rock en todas sus expresiones. Esta historia continuará. casconcert.blogspot.com cartonsil@hotmail.com, casconcert@gmail.com

2007-06-01T07:57:00.000-07:00

2007-06-01T07:44:00.000-07:00

Nostalgia y valor de los 80 (8) U2: La esperanza vino de Dublín

2007-06-01T07:13:00.000-07:00

Nostalgia y valor de los 80 (8)
U2: La esperanza vino de Dublín

"No puedo creer las noticias de hoy
No puedo cerrar los ojos y hacerlas desaparecer
Cuánto tiempo, cuánto tiempo deberemos cantar
Esa canción”

Domingo sangriento domingo, U2 del disco War

Si revisamos el panorama musical de los 80 notaremos que dos elementos sobresalen: la versatilidad y la excelencia de la oferta discográfica. Si es cierto que durante la década estuvimos saturados por productos de consumo instantáneos y de dudosa calidad, no vemos es que tuvimos la oportunidad de escuchar excelentes propuestas musicales.
Desde diferentes países nos llegaban grupos y solistas provistos de innovación e incuestionable calidad musical. Una de esas propuestas en la agrupación irlandesa U2, cuya vigencia se mantiene hasta nuestros días.
Cuando creíamos que lo habíamos escuchado todo en materia de música rock, un aire de renovación se dejó escuchar por algunas emisoras. Después de la disolución de Los Vétales, los rockómanos y rockólogos nos empeñamos en buscar en cada grupo venidero el sustituto o heredero del cuarteto de Liverpool.
Afortunadamente el tiempo nos deparó algo verdaderamente impactante y duradero. La esperanza vino de Dublín, de las manos y el talento de cuatro muchachos irreverentes y sedientos de fama. Adam Clayton (bajo), Larry Mullen (batería), Dave Evans o The Edge (El Abismo) en la guitarra, y Paul Hewson (bono) en la voz solista. Surgidos al final de la década de los 70, los integrantes de U2 toman el nombre de un submarino de guerra norteamericano, palabra que fonéticamente sueñala Yoy too (Tu también).
Tanto en sus discos como sus puestas en escena, U2 evidencia la fuerza que aún puede mostrar el rock cuando transpira energía y autenticidad. Y no podía ser de otra manera porque ellos no sólo son elr elevo generacional sino la posibilidad de decir otras cosas que quedaron olvidadas o arrastradas por el carro de la historia.
Con un sonido envolvente, un ritmo incisivo y gracias al aporte de su voz solista (Bono) U2 soporta sobre sus hombros una fama merecida. Ellos responden a cabalidad a las expectativas de sus seguidores que desde diferentes puntos del planeta, acuden en ceremonia multimedia a beber de ese caudal sonoro y visual. ¿Una religión o una forma contemporánea de idolatría? Ni una cosa ni la otra. Simplemente un grito de rebeldía que nos enseña que el fuego (esta vez encendido por la fe religiosa de Irlanda) aún está vivo. Y no se trata de un grito panfletario del mensaje bíblico aliñado con rock and roll, sino na nueva manera de palpar la existencia y rechazar las injusticias de una sociedad opresora. No es God´and roll. Es simplemente rock inteligente, aferrado a sus raíces pero interpretando su momento histórico. Eso es U2, un grupo que surgio para renovar no sólo la escena artística sino la manera de percibir el mundo que se debate en profundas contradicciones.
¿Cuándo surgió en nosotros la necesidad de beber de ese manantial ¿Cuándo comenzó U2 a formar parte de nuestro imaginario contemporáneo? Quizás cuando nos percatamos que el sonido de Woodstock (en algunos grupos) lucía lejano y prehistórico. O fue quizás cuando las respuestas que habíamos obtenido ya no tenían ningún sentido ante el surgimiento de nuevas y cada vez más terribles incertidumbres.
A U2 lo percibo como el grupo de los 80 por su coherencia y calidad excepcional. Más allá de la parafernalia propagandística y la manía mesiánica de su carismático líder (Bono), estimo que su fuerza revitalizadora aún dará mucho que hablar. Es U2 la mejor banda rockera del mundo?. Aún quedan agua por correr. Para despejar cualquier dura es válido remitirse a sus discos más definitivos como Boy, War, October o The Joshua tree. Esta historia continuará. casconcert.blogspot.com cartonsil@hotmail.com, casconcert@gmail.com

Nostalgia y Valor de los 80-Karina: Reina de la rebeldía rosa

2007-05-17T20:29:00.000-07:00

“Sálvame de esta angustia de mirar
Alguien que no puedo hallar
Ayúdame a creer en mí”.
Karina

En los años 80 transitamos de un extremo a otro sin que esto significara un trauma en el gusto de muchos quienes aprendimos a ser tolerantes en materia de música. En materia de pop en español teníamos desde la audacia de un Soda Stereo hasta simplicidad miméticas de las Flans y la propuesta travestí del grupo Locomía. Como complemento, del otro lado del océano nos llegaban algunas chatarritas en inglés en voces significativas como Phill Colins y Sting.
En el universo musical de los 80 es oportuno destacar a Karina, cantante venezolana que supo cautivar a un segmento significativo de la juventud local de aquel entonces. Su rebeldía, muy distinta a la de un Charly García, captaba el interés y la admiración de una juventud zanahoria que canalizaba su energía y ensoñación a través de una voz apasionada. A partir de letras simples, Karina supo canalizar las inquietudes de los adolescentes, susceptibles de ingresar en los fríos cálculos del mercado.
Hablar de Karina como ídolo de una generación no es fácil, particularmente cuando en su momento estelar existían aquí en Venezuela valores indiscutibles como Kiara, Melissa, Luzmarina y Delia, para nombrar sólo cuatro mujeres de su misma generación con talento suficiente para haber destacado con mayor o igual brillo.
A Karina y el culto que en torno a ella se conformó la vinculo al vacío que surgió a finales de los 70 a raíz de la disolución de Menudo y la merma de su popularidad. Algo parecido se va a presentar en los 90 con el surgimiento de Salserín. Pero esa es otra historia.
Con Karina sentimos que en su aparente ingenuidad hay una intensidad que es asumida por su público como una verdad irrefutable capaz de dar explicación al desamor y la angustia existencial propia de una edad difícil. Algo paralelo y complementario al boom de Karina estaba pasando en ese preciso momento con la telenovela Abigail interpretada por Katherine Fullop y Fernando Carrillo, quien por ciento recientemente se confesó un fans incondicional de nuestra invitada de hoy.
“Que puede aprender una niña mujer/ Que no tiene un hogar donde pueda cantar/ A los siete ya vio a sus dioses caer/ A los diez se encontró sola en la red./ Fue una reina más que quiso bailar a su propio compás/. Fue una reina más que desafió a la sociedad”.
Al referirnos a Karina es justo valorar el aporte de otras figuras de los 80 como Témpano, Sentimiento muerto, Sergio Pérez, Desorden Público, Pentágono y Aditus, como representantes de una época que puede interpretarse como un verdadero renacimiento de la música popular urbana.
Fantasía, rebeldía domesticada, rock abierto y callejero, voces del sótano, en fin, pop venezolano con imaginación y oxigenado con nuevos sonidos, forman parte de ese legado, en el cual ubicamos a Karina como esa figura juvenil con quien muchos mantenemos una deuda en el tiempo al no haberla interpretado en su justa dimensión, lejos de los prejuicios. Su talento es incuestionable. Allí están sus discos para volver a escucharlos con los oídos del corazón que supo latir con la ilusión de los años que no volverán. Esta historia continuará. casconcert.blogspot.com cartonsil@hotmail.com, casconcert@gmail.com

Leyenda Foto 1:
Karina, reina indiscutible de una generación, supo encarnar el desamor y la angustia existencial propia de una edad difícil.

Nostalgia y Valor de los 80 (5)- La fascinante aventura futurista

2007-05-05T11:46:00.000-07:00

“Es un martirio vivir con miedo ¿verdad”
Así es la esclavitud”
Mónologo de Roy, replicante de Blade Runner

Hace años en las principales salas de cine del país se exhibió una película referida a un mundo inhóspito donde se han agotado las principales fuentes de subsistencia. En una atmósfera sórdida, hombres y mujeres condenados a vivir en condiciones deplorables, añoran la época cuando la Tierra tenía bosques, mares, y ríos, como parte de un paisaje ideal sólo recuperable a través de videos y fotos. La cinta tenía por título Cuando el destino nos alcance, y auque fue realizada en los 60, su tema sirvió como referencia para el imaginario futurista que manejaría el cine en décadas posteriores. Particularmente en los 80, el futuro no fue sólo una inquietud constante del arte cinematográfico, sino una manera de ubicar al ser humano en el contexto de un porvenir que se presentaba tenebroso e inseguro.
Películas como Terminator, o Alien y Blade Runner de Ridley Scott, y Volver al Futuro, de Robert Zameki reflejaban no solo una estética de la post modernidad sino la angustia existencial que gira en torno a la fragilidad humana. Todavía recordamos no sin cierto estremecimiento la reacción de Terminator al tratar de darle un sentido a su vida al presentir su final inexorable.
En Volver al futuro hay una recreación del eterno tema de la máquina del tiempo, cuyo itinerario se cumple sin trastocar el sentido esencial de la historia. Todo tiene que ser resuelto de la manera más meticulosa para que el pasado no sea cambiado en su carácter fundamental. Los protagonistas pueden intercalar elementos pequeños que repercutirán satisfactoriamente en su historia personal.
Hay en estas películas el común denominador de viajar en el tiempo. Esa necesidad de viajar al pasado o volver al futuro, es la forma de evidenciar los deseos de inmortalidad del hombre.
Bajo esa ilusión de imaginarnos el porvenir nos convertimos en adictos de este cine de ciencia ficción que sirvió para exteriorizar y exorcizar algunos de nuestros temores. Resultaba poco posmoderno diseñar un presente sin imaginar como podría ser nuestro futuro. Y así, en ritmo prospectivo transitamos la década de los 80 para asimilar nuevas realidades imaginarias y conformar poco a poco un vocabulario que hablaba de computadores, procesadores, ordenadores, microchips, replicantes, robots, seres alienígenos o venidos de otros mundos como fue el caso de E.T (Extra-Terrestre), entre otros.
De todas las películas de esta década figura en primer lugar Blade Runner en la cual se formula un interesante planteamiento de carácter ontológico del hombre, que rodeado de androides y microchips, se siente prisionero del poder demoledor del tiempo. En su sed de inmortalidad el hombre se aferra al poder de la belleza, cuya fragilidad también cede ante el inminente peso del olvido. Tampoco los androides están exentos de las angustias y temores de los humanos.
Basada en la novela “¿Soñarán los androides con ovejas eléctricas?, Blade Runner de Ridley Scott nos presenta una megalópolis (Los Ángeles) del siglo XXI amenazada por la existencia de replicantes (humanoides) que abrigan la ambición de ser humanos. Por este delito se les persigue hasta la muerte. La tarea de exterminio de los replicantes está confiada al súper policía Rick Deckard encarnado por el actor Harrison Ford. El enfrentamiento decisivo entre Deckard y Roy, líder de la generación Nexos 6 nos depara un monólogo de incuestionable calidad. En su agónico fin el jefe de los replicantes expresa estas conmovedoras palabras: “He visto cosas que los humanos ni se imaginan. Naves de ataque incendiándose cerca de la constelación de Orión. He visto rayos de mar centellando cerca de las puertas de Tannhäuser. Todos esos momentos se perderán en el tiempo como lágrimas en la lluvia. Es tiempo de morir”.
En la fascinante aventura futurista de los 80, sólo tres certezas logra alcanzar el hombre: la muerte, la soledad y el olvido. El futuro siempre será un enigma. Tenían razón Los Beatles: “El mañana nunca se conoce” (Tomorrow never know). Esta historia continuará. casconcert.blogspot.com cartonsil@hotmail.com, casconcert@gmail.com

Nostalgia y Valor de los 80 (5)- La fascinante aventura futurista

2007-05-05T11:10:00.000-07:00

Nostalgia y valor de los 80 (4) La apoteosis del merengue

2007-04-25T20:59:00.000-07:00

“Tengo un corazón mutilado de esperanza y de razón
Tengo un corazón que madruga donde quiera”

Burbujas de amor, Juan Luís Guerra

El merengue marcó una etapa imborrable en la historia musical de los 80. Para seguidores y detractores el merengue fue un fondo musical que modeló los sueños de una generación que se refugió en la sonoridad proveniente de Santo Domingo. Tanto fue su influencia que hasta los universitarios tuvieron que sucumbir ante su ritmo entusiasta y arrollador. Los estudiantes reflejaban sus angustias y parte de sus desvelos a partir de las letras de los merengues en boga para aquel entonces. De modo que cuando los estudiantes de la Escuela de Arte de la UCV entonaban en los pasillos aquello de: “Fernanda, Fernanda yo quiero irme contigo a la parranda”, estaban refiriéndose a la María Fernanda Palacios, profesora de ese centro de estudios que tenía andando de cabeza a más un muchacho de aquel entonces.
Ese tiempo lo sintonizo muy nítidamente con el merengue de Juan Luís Guerra y su 4:40. ¡Palabra mayor, poeta! como decía un contertulio quien no se cansaba de repetir hasta el cansancio Burbujas de amor. Cuando llegaba al tercer whisky no quería sino escuchar merengue, preferiblemente Juan Luís Guerra y Fernardito Villalona, a quien vimos y disfrutamos en la Cámara de Comercio en Las Delicias.
En toda esta miscelánea de influencias, recuerdos, aprendizaje y estilos se fue cincelando el espíritu de una década que supo dar cabida a las premisas claves de la postmodernidad. Esta misma sensibilidad nos lleva a convivir en varios espacios culturales, en varios tiempos históricos. Lo barroco y lo moderno, lo étnico y lo electrónico, la ciudad escrituraria interactuando con la oralidad, la vanguardia retrocediendo para nutrirse de las raíces a partir de una nueva perspectiva, menos académica y más vivencial.
El renacimiento experimentado por el merengue durante los 80 está conectado con esa misma postmodernidad que nos lleva a empaparnos sin complejos de toda nuestra herencia cultural.
Aquí en Maracay muchas agrupaciones desfilaron por los escenarios nocturnos para mostrar sus destrezas interpretativas ante un público que entre la devoción y el fanatismo le supo dar sentido a las madrugadas que se extendían a lo largo de la falda del Henry Pittier. Desde el Barbarazo, de Wilfredo Vargas hasta la Bachata rosa de Juan Luís Guerra pasando por Fotografía de Bonny Cepeda y los innumerables éxitos de Fernando Villalona, el merengue estableció su imperio rítmico.
Fue la calidad innegable de las letras de Juan Luís Guerra lo que nos detuvo a valorar el merengue en su justa dimensión creadora. Si quedaba alguna duda de la belleza y poesía del merengue, allí teníamos verdaderos versos hechos canción como estos: “Te regalo mis manos/ Mis párpados caídos/ El beso más profundo/ El que se ahoga en un gemido/ Te regalo un día de otoño entre abril y junio/ Un rayo de ilusiones / Un corazón al desnudo”.
De esas noches inolvidables recuerdo la del sábado 5 de septiembre de 1987 cuando en compañía de Manuel Cabesa y Carlos Alberto Mendoza disfrutamos una velada que nos entretuvo casi hasta el amanecer. Antes de partir del Búho, Juan Antonio Ruiz, Director de la Orquesta Fascinación nos invitó para un sancocho que se haría en Mata Seca. Al día siguiente, nos entretuvimos en otros asuntos, y no pudimos acudir a la cita en un lugar que se transformó en una verdadera pesadilla a causa del desbordamiento del río El Limón que enlutó a numerosas familias aragüeñas. No hace falta ahondar sobre tan terrible hecho que por varias semanas fue razón para que la bachata callara su voz. Esta historia continuará. casconcert.blogspot.com cartonsil@hotmail.com, casconcert@gmail.com

Nostalgia y valor de los 80 (3) Hace 20 años que tengo veinte años

2007-04-17T09:14:00.000-07:00

Al principio de estos apuntes sobre la Nostalgia y valor de los 80 debí aclarar que mi interés por escribir sobre esta década se suscitó a raíz de un disco que recientemente me regalaron, el cual trata de resumir las voces más emblemáticas de ese período. Sin orden ni concierto aparecen artistas como Luís Miguel, Ricardo Montaner, Franco de Vita, Mecano, Melissa, Yordano, Frank Quintero,Aditus, Ilan y Témpano. Toda antología es injusta y ésta lo era a más no poder. Porque no sólo faltaban nombres sino que merecía un mejor balance. Sin descalificar el esfuerzo, creo que esa colección debe incluir a Fito Páez, Soda Stereo, Hombres G, Tracy Chapman, entre otros nombres de una larga lista que me hizo entender la importancia de una década hasta ahora poco valorada.
A partir de la música he logrado entender la importancia de esta década cuyo valor apreciamos ahora cuando han pasado 20 años. ¿Será que uno tiene la tendencia de estacionarse en un período determinado?. Nada de eso, sino que hace 20 años decidí renovar mi adolescencia. Y digo como el título de un disco de Serrat: “Hace 20 años que tengo veinte años”.
Esa metamorfosis la sentí en la manera de repensar la vida, involucrarme en nuevas experiencias con muchachos y muchachos más jóvenes que yo. Poco a poco fui entrando en ese proceso de agiornamiento con aires de post modernidad, y bajo el asedio cada vez más marcado de la cibernética. Este cambio incluyó nuevas lecturas como La insoportable levedad del ser, de Milan Kundera; El Perfume de Patrick Süskind; Ardiente Paciencia, de Antonio Skármeta, y otros libros fundamentales de ese período.
Cuando todavía nos seguía seduciendo la música de Pink Floyd (gracias a la fuerza de La pared), y la propuesta andrógina de Michael Jackson ya no nos escandalizaba, seguíamos empeñados en la búsqueda de nuestro Santo Grial particular. Un thriller de lo que fue nuestras vidas en aquel entonces debería tener como banda sonora un disco misceláneo con las siguientes piezas: ¿Y como es él?, de José Luís Perales; Vivir en Japón, El Mayor Ton llegando a casa, de Peter Schilling; Camaleón, de Boy George; Dueño de un corazón solitario, del Grupo Yes, y Cazafantasmas, entre otros temas.
Con esos sonidos y la sensación de inaugurar una nueva etapa me vine a Maracay. Aquí encontré amigos y amigas con quienes conformé una comunidad espiritual. Una de esas amistades es Maruja Flores, quien inició la modalidad del Café-Concert en la Mezquita Sur de la Maestranza César Girón. En este centro de ebullición cultural me tocó compartir escenario y tragos con artistas y personajes como José Balza, Salvador Rodríguez, Luis Mariano Rivera, El Ziggy Márquez, Otilio Galíndez, Carlos Alberto Mendoza, Leonor Basalo, Oscar Reyes, la gente del grupo Diafragma (Daniel Peña El Hippie, Félix Facchin, Wilson Prada, Esso Alvarez, Anibal Camejo y Luque Mirabal) Efraín Silva, Luís Ochoa, Carlos Grimaldo, y un largo etcétera.
Así, entre trovadores, performances, creadores, cantautores, exposiciones, recitales y conciertos me puse a tono con el ritmo cambiante de una ciudad con tradición cultural como es Maracay. Fueron los años del Museo y su crecimiento incipiente de la mano de Aquiles Ortiz; de la Galería Municipal de Arte bajo la conducción de Ydelisa Rincón González, el Teatro de la Opera de Maracay con Mercedes Saade; la Secretaría de Cultura con los aportes de Merlly Rossel, y sobre todo el gran auge que tuvo la música en todas sus manifestaciones.
Toda esta efervescencia creadora de la cual fui testigo en primera fila me permitió renovarme espiritualmente, tanto, que una amiga en la USB al referirse a mis años llegó decirme el piropo más hermoso que he escuchado en todo mi vida: “No te preocupes por los años que te van cayendo, contigo es imposible hacer cálculos porque tu eres un hombre sin edad”. Y la verdad es que estos años no me molestan para nada. Esta historia continuará. casconcert.blogspot.com cartonsil@hotmail.com, casconcert@gmail.com

Nostalgia y valor de los 80 (2).

2007-04-08T18:10:00.000-07:00

Los que están en la calle pueden desaparecer en la calle
Los amigos del barrio pueden desaparecer
Pero los dinosaurios van a desaparecer
Los dinosaurios, de Charly García

A pesar del predominio que tuvo el merengue a todo lo largo de la década de los 80, nuestros oídos enfocaron su atención hacia otros ritmos y sonidos. La juventud universitaria de aquel entonces orientaba su accionar por los caminos de la rebeldía que en muchos casos tenía cauce legítimo en el rock. Es una herencia de los 60 pero que en este caso se manifestaba con “raros peinados nuevos”.
Como telón de fondo de esa generación se podría colocar un popurrí de Mecano, Hombres G, por la parte española, y a Charly García, Soda Stereo, Fito Páez, en lo que corresponde a escalada sureña. A las par de los estribillos de Villalona, Cepeda y Wilfredo Vargas, la gente de los 80 se contaminó con varias fiebres del universo rockero. Digo varias porque al terminar el delirio por Mecano, un sector de la juventud se entusiasmó con las canciones de Charly García. Mientras un grupo coreaba por los pasillos de la Escuela de Arte de la UCV aquello de “Fernanda, Fernanda yo quiero irme contigo a la parranda”, los acólitos de Charly ofrendaban sus plegarias en ritmo de rock desenfadado para condenar las dictaduras que por varios años azotaron a países del cono sur. Este rechazo a la bota militar se vio fielmente retratado en el tema Los Dinosaurios, que aborda el caso de las desapariciones forzadas a que fueron sometidos hombres y mujeres por esta especie de fascismo tropical. La advertencia de la letra era muy clara y directa: “Los amigos del barrio pueden desaparecer, los cantores del barrio, los que están en los diarios pueden desaparecer, la persona que amas puede desaparecer…”
Al compás del pop nacional, el rock argentino y los grupos españoles, la juventud venezolana de esa década fue cincelando su propio perfil con un imaginario muy particular que incluía el futuro preludiado en Blade Runner, de Ridley Scott y conjugando el gerundio del verbo vivir a punta de bachata rosa y resumiendo lo efímero de cada experiencia en video clips con remembranza surrealista y tejido cibernético.
Los escenarios de ese sueño colectivo, cien por ciento urbano, se ubican en lugares inéditos como Mata de Coco y el Teatro Teresa Carreño inaugurado a principio de la década y al final del gobierno de Luís Herrera. Otros espacios se incorporan a este itinerario de la nostalgia en momentos cuando lo máximo era agarrarse de las manos mientras se tarareaba las estrofas de Aire o Me cuesta tanto olvidarte, sin obviar los ingeniosos juegos de palabra de los hermanos Cano.
De esos luminosos días recordamos las presentaciones de Los hombres G en Caracas y la Maestranza César Girón, donde ofrecieron un concierto de antología que tuvo como telonero al grupo Rock and roll Circus. Esa noche, una vez superado un impasse con la gente del Sindicato, los españoles, muy sencillos, por cierto, deleitaron a los aragüeños con “Devuélveme a mi chica”, “Venecia”, entre otras que el público seguía con mucha atención.
A pesar de la alegría que evidentemente se vivió en esa época, hubo no pocos momentos de intolerancia y represión por parte de algunas autoridades policiales que no soportaban la presencia masiva de jóvenes asistiendo a eventos musicales y artísticos. Esa intransigencia la percibí en varias oportunidades, especialmente en Mata de Coco cuando asistí a un concierto con Charly García. Esa noche, el rockero argentino estaba vestido con un saco bicolor (rojo y negro) y nos entregó un espectáculo irrepetible. Lucía irreverente (su actitud natural), genial y en su mejor momento. En compañía del poeta Manuel Cabesa salí de Mata de Coco buscando la avenida Francisco de Miranda. A distancia vimos una jaula de la Policía Metropolitana practicando lo que llamaban redadas selectivas. En una actitud casi suicida y a tono con un despecho que lo devoraba en ese momento, Manuel estaba dispuesto a replicarle a los policías. Por más que trataba de decirle que se aplacara, Manuel insistía en su idea de insultar a los uniformados. Al final no se que pasó por la mente de los policías y la de Manuel. Yo me sentía muy mal y con ganas de reventar. La provocación no cesó hasta que un oficial decidió dejarnos ir. “Nada ha cambiado en esta porquería de país, porque como dice Charly, “nos siguen pegando abajo”- expresó Manuel casi en susurro mientras alcanzábamos un bus rumbo a nuestro destino. Esta historia continuará. casconcert.blogspot.com cartonsil@hotmail.com , casconcert@gmail.com

CAS-CONCERT

2007-04-04T14:38:00.000-07:00

Tu sitio para compartir el placr por la música, el arte y la vida

CAS-CONCERT

2007-04-01T07:40:00.000-07:00

CAS-CONCERT: "Gracias al amigo Duque por haberse retratado en este blog con un valioso comentario. Espero seguir en esta tarea de recuperar mis memorias individuales y la de todo un país. Esa es la idea. Hasta luego."

Nostalgia y valor de los 80 (1)

2007-04-01T05:51:00.001-07:00

Cuando lanzamos la mirada hacia el pasado y comenzamos a evaluar las décadas dejadas atrás, pensamos que la del 60 no sólo fue la mejor sino la que mantiene mayor vigencia. Esta apreciación es relativa y sujeta al sentimentalismo de quienes tuvimos la dicha de vivirla en toda su intensidad. Su grandeza está en un momento único e irrepetible. Los 60 era la década hambrienta de historia.
Si logramos despojar a los 60 de toda su magnificencia y la comparamos con otras décadas veremos que ella se ubica como el abreboca de los cambios que se concretarían luego, particularmente en los 80, década que estimo mucho mas revolucionaria en el campo de los adelantos tecnológicos de los cuales hoy nos servimos como si siempre hubieran estado allí entre nosotros.
Musicalmente hablando fue la década del merengue, como los sesenta lo fueron del rock, los 70 de la salsa, los 50 del jazz y los 40 de las grandes orquestas bailables. A consecuencia del letargo en el cual había caído el rock con las múltiples experimentaciones, y la complicación de la salsa al avanzar por derroteros pocos comerciales, el merengue a acudió a la demanda del público bailador. A pesar de la reticencia que al principio mostraron algunas barriadas de Venezuela hacia el merengue, finalmente terminó por imponer su ritmo contagioso y fácil para bailar. A partir de algunas oleadas tuvimos la oportunidad de escuchar y bailar con Wilfredo Vargas, Fernardito Villalona, Bony Cepeda y el incomparable Juan Luis Guerra y su 4 40.
Sin embargo, a pesar de esta invasión dominicana, nuestro país a raíz del Viernes Negro fue escenario de una gran ebullición creativa impulsada entre otros por Yordano, Ilan Chester, Franco de Vita, Elisa Rego, Colina, Delia, Melissa, Henry Martínez, Luzmarina, Sergio Pérez, Evio Di marzo y su Adrenalina Caribe.
Al asumir la modernidad y el hecho urbano, estos artistas abordaron una realidad con lo mejor de su inspiración. Sin excluir lo poético, ellos supieron hablar de las necesidades expresivas de una generación.
En la plástica tenemos los aportes de un Carlos Zerpa, el estallido de los maracuchos Ender Cepeda, Carmelo Niño, Henry Bermúdez, Ángel Peña y Emerjo Darío Lunar como sumo pontífice que oficiaba su credo artístico desde la Cabinas.
Igualmente, la literatura experimentó aires de renovación con los logros de poetas como Igor Barreto, Miguel Márquez, Armando Rojas Guardia, Yolanda Pantin, Harry Almela, Manuel Cabesa, Alberto Hernández.
Pero el gran aporte de los 80 en el desarrollo que alcanzó la informática y la comunicación en general. Las computadoras, los controles remotos y el teléfono celular comenzaron a formar parte de nuestra cotidianidad.
A pesar de este logro de la moderna tecnología, el grueso de la población no tenía accesos a los grandes inventos. Sólo un reducido sector de la población contaba con celulares. Son muchas las citas que se quebraron o quedaron a mitad de camino a falta de un oportuno celular. Esta carencia nos permitió a muchos desarrollar la intuición y la imaginación. Son muchos los escritos que se perdieron o se borraron por carencia de una de una computadora propia. En la memoria dudosa de los algunos periódicos y otros organismos privados y públicos quedaron algunas cuartillas que hoy podrían mostrar algún valor.
Afortunadamente queda la música de aquella época a la cual suelo acudir cuando me amenaza el olvido. De esa entonces recuerdo un viejo cassette de Evio Di Marzo y Adrenalina Caribe que me regaló mi amigo Réluglo Tortolero a propósito de un viaje a Mérida. Habíamos acudido a la Ciudad de los Caballeros a un Festival de la Paz bajo la expectativa de ver y hablar con Yoko Ono. Al final, la viuda de Lennon no apareció ni en dibujos animados. Al reiterarles que esta historia continuará les informó que el pasado domingo abrí mi blog. La dirección es: casconcert.blogspot.com. Otras direcciones son: cartonsil@hotmail.com , casconcert@gmail.com

Cuadernos de la Beatlemanía en Venezuela (1) El Estallido

2007-03-03T07:00:00.000-08:00

Los Beatles nunca visitaron Venezuela pero su presencia siempre estuvo viva entre los jóvenes que teníamos entre 14 y 18 años cuando estalló el fenómeno que se conoció como la Beatlemanía. Lo más cerca de nosotros que estuvo el famoso cuarteto fue en Las Bahamas, en 1965, cuando filmaban algunas escenas de la película Help.
En una primera etapa que va desde 1964 (cuando se escuchan por primera vez en nuestro país) hasta 1967, Los Beatles eran considerados como un grupo que atraía sólo al sector femenino. Los varones que nos atrevíamos a confesar nuestra admiración éramos vistos raros y nos colocábamos bajo sospecha en el inventario de los viejos retardatarios, acostumbrados a esperar de la vida sólo las carreras semanales del 5 y 6.
En lo que respecta a mi experiencia personal nunca tuve el privilegio de ir a Liverpool donde está The Cavern, santuario y espacio donde se gesta el movimiento beat. Una percepción más fiel y directa nos la ofrece Rudy Márquez, quien confesó haber tenido una conversación informal con John Lennon. En ese encuentro el líder de Los Beatles le deseó mucha suerte y lo animó a que no se desesperanzara.
Yo comencé a saber de ellos aproximadamente en 1963-64 por reportajes publicados en la revista LIFE en Español. De modo que cuando estalla la Beatlemanía en Venezuela, teníamos una idea de qué se trataba. Mi percepción sobre lo que al principio fue un fenómeno de masas, una moda y un producto de marketing, es que se convirtió después en el sello de toda una generación. Ya no se trataba de una moda pasajera o artificial, sino de una filosofía o un estilo de vida que se enfrentaba radicalmente al mundo caduco.
Puedo afirmar que mi aventura beatle se inició cuando ingresé a estudiar 1er año de bachillerato en el Liceo Gustavo Herrera en Bello Campo, Chacao. Era el año 1964 y me había tocado una sección de las mayores. Tenía una novia bellísima que estudiaba bachillerato comercial en el Liceo Fernando Peñalver.
La evolución de mis gustos y la de toda una generación está allí, en el disfrute de cada uno de sus discos. A la aparición de cada álbum nuevo de Los Beatles se iba sumando una serie de experiencias. Ellos revolucionaron hasta la manera de percibir el hecho discográfico y el mundo mismo.
Mi inicio discográfico con Los Beatles, mejor dicho, la primera vez que escuché un disco completo de Los Beatles, fue en la casa de la señora Mary Pinto de García Dávila en la urbanización Country Club, en Caracas, en la calle Oriente. Había acudido allí por invitación de mi primo Víctor Acevedo, quien se desempeñaba como barman. Me dijo que la señora estaba de viaje y le había dejado las llaves de la despensa. Allí me tenía reservadas dos botellas de champaña de la viudita. Ante la promesa de tomarnos unas cuantas burbujas, me dirigí del Liceo Gustavo Herrera a la calle Oriente luego de tomar mi autobusito de trompita que estacionaban al frente de lo que es ahora la estación del Metro de Chacaíto, cerca de la Cortina, a un lado de Fondo Común, a dos cuadras del cine Broadway.

Algo me decía que ese día sería trascendental. En un rincón estaba el pick up Philco con tapa blanca de vinil. A un lado una docena de discos. Uno de ellos llamó mi atención. Se trataba del álbum With The Beatles donde aparecen con el corte totuma y unos suéteres cuello tortuga. Bajo un estado de ansiedad indescriptible puse la pasta negra. Lo que emanaba del disco era una energía nunca antes sentida. Estábamos ante un sonido alucinante. Please mister postman me cautivó, Hold me tight me resultó espectacular, I wanna be your man sencillamente excitante y Not a second time aceleró mi imaginación.
Luego pasamos a lo que era el disco de moda A hard day´s night (La noche de un agitado día). Allí hay varias piezas llamativas además del tema promocional que le da título al álbum. If I fell, la pegajosa I´m happy ust to dance with you y Can´t buy me love sirvieron para colocarnos en ambiente. Desde ese instante todo se animó. Quizás bajo el estímulo de la champaña entramos en una atmósfera nueva, en un nuevo campo magnético al cual sólo se tiene acceso a través de la magia de la música. Todo ese disco es agradable. No tiene desperdicio. Es un disco comercial, es cierto, pero digerible. Esta es una experiencia que a la luz de varios años viene a ratificar el placer que proporciona escuchar una música que nos lleva y a la cual no oponemos ninguna resistencia. (Esta historia continuará). cartonsil@hotmail.com

2007-02-25T09:24:00.000-08:00

Ana-Crónicas
Jethro Tull en Guatire

Aunque Jethro Tull nunca estuvo en Guatire, debo decir que fue en este pueblo mirandino donde se le ha rendido el primero y quizás único homenaje. No se trataba de un concierto del famoso grupo inglés sino de la primera miniteca que llegó a la comarca natal de Vicente Emilio Sojo.
Entusiasmados por el impacto de Woodstock queríamos reproducir a pequeña escala un ambiente de paz, música y amor en los terrenos del antiguo Ingenio, hoy espacio donde se ha edificado una de las tantas urbanizaciones de la ciudad dormitorio que crece a todo lo largo de la intercomunal Guarenas-Guatire.
Como a falta de festival bien bueno es una miniteca, nos la ingeniamos para prender el rumbón en tierras mirandinas. Sin pensarlo mucho cargamos con nuestros cajones s (catafalcos que hacían las veces de cornetas) y la selecta discoteca ambulante del gocho Rafael Medina, alimentada con los aportes de cada uno del grupo de muchachos que entre quimeras y luchas cotidianas nos levantamos en la calle El Lago de los Magallanes de Catia.
Santana con su Soul Sacrifice, Ten Years After con I go home by Helicopter, Joe Cocker con A whit litle help from my friends, Crosby Still Nash and Young, la insuperable Aretha Franklin con su Respect, los idolatrados Beatles, Los Rolling Stones con Jumping Jack Flash, entre otros astros de una larga lista, fueron los encargados de darle ritmo y sabor a una fiesta que con el paso de las horas fue tornándose algo incómoda. Ciertamente, la situación se volvió tensa, especialmente para nosotros que no teníamos culpa alguna que las muchachas de Calvarito tomaran partido por los pavos de Caracas.
Con un despliegue de imaginación y sentido práctico armamos nuestra luces fosforescentes estroboscópicas y hielo seco, un poco para instalar el ambiente de los show de luces usado con muchas frecuencia por Pink Floyd en sus inicios.
Decidimos ponerle a la miniteca el nombre de Jethro Tull porque a casi todo el grupo nos fascinaba el conjunto liderado por Ian Anderson. Fue en 1970 cuando tuvimos por primera vez en nuestras manos un disco de Jethro Tull. Se trataba del album Stand Up, una muestra suficiente para seducirnos desde la primera audición. Recuerdo que la portada en amarillo tenía una caricatura en blanco y negro del grupo. Al poco tiempo encontraríamos en una discotienda de la avenida España de Catia lo que sería su cuarto Disco: Aqualung, una verdadera revelación para quienes ya habíamos transitado las páginas de Hermann Hesse, particularmente en Demián y El Lobo Estepario. La portada del disco nos llamaba mucho la atención por un viejo huraño y andrajoso. Después vendrían otros discos como Pesado como un ladrillo, Viviendo en el pasado; Demasiado viejo para el rock and roll y demasiado joven para morir, y paren ustedes de contar.
Los dos primeros discos de Jethro Tull fueron suficientes para conformar el rito que se inició en los Magallanes de Catia y tuvo su punto más álgido en Guatire donde una miniteca armada artesanalmente fue bautizada con su nombre.
Debo decir que esa noche la pasamos espectacular con las chamas que de las preguntas fueron a los hechos. Allí hicimos varias cuadraturas, sobre todo en direcciones y citas posteriores para ir al río o la playa.
Al borde de la madrugada nos dimos cuenta que algo andaba mal. Algunos de los chamos que nos veían como gallina que mira sal, ya no estaban. Ese simple detalle fue el anuncio de la tormenta que se avecinaba. Sin mirar atrás y pese al ruego de las muchachas y algunos pocos amigos que insistían en que nos quedáramos, decidimos apagar el equipo y recoger nuestros corotos. A dos cuadras de la casa nos estaban esperando los ofendidos muchachos que nos retaron con palos y navajas. Fue una escaramuza donde un par de patadas que le dimos a los primeros que avanzaron nos permitió tomar ventaja.
Como pudimos alcanzamos un autobús, el último que se encargaba de dar el recorrido final por el pueblo para esperar hasta la 5 de la mañana en el terminal y partir hacia Caracas.
Esa noche, la pasamos en casa de una tía que vivía por los lados de la plaza Miranda, después de Caja de Agua. Allí esperamos hasta que amaneciera y así poder salir sin problemas y sobre todo con vida de ese pueblo donde no estaban dispuestos a tolerar por una hora más a unos hippies tropicales. Con melenas y afros al viento arribamos al bus que nos condujo nuevamente hacia nuestro barrio donde otras rumbas nos esperaban para seguir dándole movimiento al cuerpo, al compás de la música, que a despecho de unos sacudió al mundo y fue el telón de fondo de una época inolvidable.

Carlos Antonio Silva

CAS-CONCERT

2007-02-25T09:11:00.001-08:00

Aqui estamos para persistir en una pasión, la pasión por la música, el arte y la vida. Borges afrmaba que todo está destinado a convertirse en litetaruta. Yo digo que todas las vivencias y las cosas que nos circundan están destinadas a convertirse en anécdotas y finalmente en crónicas, como forma de condimentar esa vida que se redimensiona en lo que se cuenta.. Como Ave Fenix resurgiendo de sus propias cenizas, vuelvo en nuevo formato e ideas nuevas. Desde hoy quiero compartir con ustedes este renacimiento.